C’est un film assez banal que Preminger va tourner pour la 20th century Fox chez qui il était sous contrat. Il fallait bien qu’il fournisse son quota de films s’il voulait s’en libérer. Whirlpool est tourné dans la foulée de Fallen angel. Il fallait évidemment trouver un sujet et une équipe. Otto Preminger va choisir un roman de de Guy Endore – né Samuel Goldstein – et qui sera poursuivi lui aussi par l’HUAC. Il était en effet membre du parti communiste. Mais ce n’est pas pour ça qu’il est connu, c’est pour ses histoires de loup-garou. On vient d’ailleurs de rééditer en 2016, en français, Le loup-garou de Paris chez Naturellement. Il fut aussi un ardent combattant de l’anti-racisme. Methinks the lady qui sera réédité plusieurs fois sous des titres différents présente la particularité d’être écrit à la 1^ère personne, mais comme si l’héroïne s’adressait à elle-même. Le récit est également saturé de réflexions plus ou moins pertinentes sur le sexe et la psychanalyse. Relier le crime et la psychanalyse était du reste à la mode à cette époque. 

Ann Sutton se fait arrêter par l’inspecteur d’un grand magasin dans lequel elle a volé une broche de 300 $. David Korvo qui assiste à cette arrestation intervient pour éviter à Ann d’être jugée et donc d’avouer sa kleptomanie à son mari, un brillant psychanalyste. Il va en profiter pour nouer une relation avec Ann en lui faisant croire qu’il peut la soigner et donc qu’elle est malade. Malgré ses doutes sur les intentions du docteur Korvo, elle va se laisser prendre. On s’aperçoit que Korvo est une sorte de charlatan, un peu astrologue, un peu hypnotiseur qui oasse son temps dans des mondanités qui lui amènent des clients. Ann qui est sous son emprise se dispute avec Theresa Randolph qui est aussi une cliente du docteur Sutto et une ancienne patiente de Korvo qui tente de la mettre en garde contre lui. Tandis que William Sutton le mari d’Ann est à San Francisco pour une conférence, Ann va voler les disques où sont enregistrées les conversations entre le docteur Sutton et Theresa Randolph. Ann est sous hypnose, elle va cacher les disques chez Theresa Randolph qu’elle va découvrir assassinée, étranglée. Rapidement la police se trouve sur les lieux et tout va accuser Ann qui manifestement ne se souvient plus de rien. William Randolph revient de San Francisco pour seconder sa femme dans l’épreuve. Tout semble accuser Ann. De fil en aiguille les enquêteurs se mettent aussi sur la piste de Korvo car on apprend qu’il devait rembourser 60 000 $ à Theresa Randolph qui s’apprêtait à porter plainte contre lui. Mais Korvo a un alibi en béton puisque tandis que Theresa Randolph se faisait assassiner, il se faisait opérer de la vésicule biliaire dans un hôpital. Sutton va essayer de trouver les disques, mais il se rend compte qu’ils ont été volés. Il va donc vouloir mettre Ann à l’épreuve en la faisant retourner sur les lieux du crime, espérant qu’ainsi elle livrera la vérité et dira où les disques ont été cachés. Korvo est à l’hôpital, Colton va lui rendre visite. Mais il manque d’arguments. Peu après une infirmière apprend à Korvo que la police recherche les disques dans toute la ville. Korvo s’autohypnose pour chasser la douleur et s’en va retourner chez Theresa Randolph pour récupérer les disques. Il commence à les écouter, mais Colton et le couple Sutton débarquent en même temps. Korvo ne peut plus s’échapper, et malgré la menace de son revolver, il ne s’en sortira pas. 

Ann Sutton se fait arrêter alors qu’elle vient de voler une broche 

Le scénario est dû à Ben Hecht, avec qui Preminger retravaillera. En vérité le scénario avait été signé Lester Barrow parce que Ben Hect, très engagé à l’extrême gauche, était un ardent défenseur de la cause sioniste, ce qui ne plaisait guère aux Anglais[1]. Il fera de même pour Where the sidewalk ends qu’il signera du nom de Rex Connor, sans doute pour les mêmes raisons. Ann est une kleptomane et elle préfigure clairement Marnie de Hitchcock. Mais le film va rapidement d’éloigner du drame et avancer vers l’énigme distractive. L’histoire accumule les incongruités, par exemple l’affolement de Korvo quand il pense qu’on va retrouver les disques. La facilité avec laquelle Korvo séduit et manipule Ann. Mais laissons cela. Le thème central n’est pas le fait qu’Ann aurait été traumatisée par le comportement de son père comme il est dit, mais bien plutôt qu’Ann est une femme sous influence et c’est cela qui rend son combat pathétique. D’abord celle de son père, puis celle de Korvo, et son mari se reproche curieusement de ne pas l’avoir lui-même manipulée pour la sauver d’elle-même ! Si la kleptomanie est considérée comme une maladie, ce n’est pas parce qu’on vole un objet dont on a nul besoin, mais parce que le vol est destiné à s’affirmer, à se donner une identité et donc peut-être même à se faire prendre et punir pour redonner la place qui est destinée au voleur. Korvo semble d’ailleurs faire un diagnostic juste, Ann est une femme délaissée et pas heureuse. Elle ment à son mari et elle se ment à elle-même. Korvo et William Sutton se livrent à un combat sans merci pour la possession d’Ann. Si Sutton en possède le corps, Korvo voudrait bien en posséder l’âme. Ann est donc une parfaite femme-objet. Elle n’existe pas vraiment, sauf quand elle transgresse les règles. Colton arbitre cette bagarre et sa préférence va du côté de Sutton, parce qu’il a perdu sa femme et donc parce qu’il redoute sa solitude autant qu’il a la nostalgie de la vie de famille. 

Ann s’est endormie 

C’est seulement dans ses rapports à l’ambigüité des personnages que Whirlpool peut être vu comme un film noir. Les références un peu farfelues à la psychanalyse, ne sont là que pour faire ressortir cette ambigüité. Si Korvo est une canaille, William Sutton apparaît comme un bouffon. En effet non seulement il ne s’est jamais rendu compte des troubles de comportement de sa femme, ce qui paraît étonnant pour un psychanalyste de renom, mais ensuite cet incapable prétend reprendre les choses en main et guérir Ann ! Elle redeviendra d’ailleurs très passive à la fin du film, alors qu’elle avait manifesté tout de même pas mal de volonté. 

David Korvo prétend soigner Ann 

Preminger s’est ici appuyé sur un grand photographe, Arthur C. Miller. Celui-ci a tourné avec les plus grands réalisateurs d’Hollywood. Mais à l’évidence il n’était pas fait pour le film noir. On ne trouvera dans ce film pratiquement aucun code visuel du film noir. On pourrait dire que c’est aussi pour ça que le film n’est pas assez sombre et qu’on a du mal à s’attacher aux personnages. Pour le reste, c’est très bien filmé, les cadres sont travaillés, les mouvements d’appareil sont comme toujours chez Preminger remarquables, notamment quand il utilise la grue dans des petits espaces pour donner plus de densité à l’histoire. Mais ça donne un aspect bien léché qui nous laisse un peu froid. Peu de scènes sortent du lot. Peut-être les moments où Ann se trouve interrogée par la police. Même les scènes à l’hôpital restent assez faibles, avec des décors trop stylisés. 

Ann prétend ne se souvenir de rien 

C’est évidemment l’interprétation qui va sauver le film de l’ennui. D’abord Gene Tierney qui, dans le rôle d’Ann Sutton, domine de toute sa grâce tourmentée. Elle est Ann, à la fois passionnée et troublée. C’était la deuxième fois qu’elle travaillait avec Preminger, elle fera encore deux films avec lui, le superbe Where the sidewalk ends et beaucoup plus tard, en 1962, Advise and consent. Elle est excellente. Richard Conte dans le rôle de son mari est bien moins convaincant, on a l’impression qu’il ne sait trop ce qu’il doit faire. Il est moins bon que d’ordinaire.  José Ferrer qui était encore un acteur débutant incarne le louche David Korvo. Il fait une belle composition, mélangeant allégrement le sadisme et la séduction, la position fragile de l’escroc et la détermination du criminel. Charles Bickford dans le rôle du policier Colton est sans cabotinage un très crédible policier qui tente de respecter les obligations de sa charge et d’introduire aussi un peu d‘humanité. Je le trouve excellent avec sa silhouette qui se voute comme s’il portait toute la misère du monde sur ses épaules. On note qu’il avait déjà tourné avec Preminger, c’était dans Fallen Angel, confirmant ainsi le goût de Preminger pour travailler toujours un peu avec les mêmes équipes. 

Elle ne peut éviter l’emprisonnement 

Manifestement ce n’est pas un film qui reste gravé dans les mémoires, malgré des qualités évidentes sur le plan cinématographique. Et ce n’est pas ce que Preminger retenait de plus intéressant dans sa carrière, le succès a été mitigé et la critique réservée. Néanmoins, malgré toutes ces réserves, c’est un film très agréable à regarder avec un très bon rythme, mais on attend tout de même un peu plus d’un grand réalisateur comme Preminger. Ce sera chose faite et bien faite avec son prochain film, le magnifique Where the sidewalk ends. 

Colton commence à douter de la sincérité de Korvo

Korvo les menace avec un revolver

Un jeune policier, Antoine Cardella, est assassiné d’une balle dans le dos en pleine campagne électorale. L’enquête menée par Grimal, un policier intègre qui hésite à s’engager politiquement alors que le Front Populaire promet pourtant de donner un coup de balais à l’Evéché, et parallèlement par un journaliste parisien, va se révéler très compliquée, aussi bien parce que les raisons de ce crime aussi nombreuses que variées que parce que l’enquête va révéler pêle-mêle une grande affaire de spéculation immobilière dans le quartier de Saint-Jean et du Panier[1], qu’une rivalité entre des gangsters qui cherchent à mettre la ville en coupe réglée en s’appuyant sur les politiciens, ou encore qu’une guerre des classes impitoyable entre une bourgeoisie arrogante qui ne veut rien lâcher, et une classe ouvrière divisée entre un parti communiste qui monte en puissance et qui sera d’ailleurs après la guerre la principale force politique de la ville et un parti socialiste déjà rompu au clientélisme et aux magouilles politiciennes. Et puis il y a des rivalités familiales, des susceptibilités féminines aussi qui vont donner une connotation singulière à l’ensemble. Mais la vérité ne se trouve peut-être pas à Marseille précisément, peut-être du côté de la Ciotat, ou même peut-être en Corse. 

Simon Sabiani avec Paul Carbone et Lydro Spirito

Le titre est évidemment inspiré de James Ellroy, L.A. Confidential[2]. Mais cela ne doit pas rebuter car le but de Thomazeau est de nous montrer qu’en matière de source d’inspiration littéraire Marseille vaut bien Los Angeles. Marseille est une ville criminelle, et l’origine de cette criminalisation remonte au dernier quart du XIX^ème siècle. Beaucoup de raisons à cela, c’est un port, lieu de tous les trafics et d’une immigration diverse et variée, à commencer par celle des Corses et des Italiens. Tournée vers l’Afrique, porte ouverte vers les colonies, elle ne s’est guère préoccupée de son hinterland. Comme Los Angeles, c’est une ville de légendes. Parmi la spécificité de cette ville, il y a le fait qu’entre les deux guerres elle a fait l’objet d’une alliance en bonne et due forme entre des politiciens véreux et un milieu très organisé qui l’apparente à la mafia. C’est dans cette période que se situe le roman de François Thomazeau. Il va du Front populaire jusqu’à l’incendie des Nouvelles Galeries sur la Canebière en octobre 1938. La première réussite de Thomazeau est d’avoir mélanger de manière passionnante la fiction et la réalité. Cette insertion dans le réel se joue sur deux niveaux : d’abord la mise en scène de personnages très connus, des vedettes de la ville, les gangsters, Carbone et Spirito, les frères Guérini qui n’en sont encore qu’au début de leurs carrière, le sulfureux Simon Sabiani qui passera du socialisme au fascisme en faisant une escale vers le clientélisme bourgeois, et aussi les politiciens, Henri Tasso, le maire de la ville, François Billoux le député communiste des quartiers Nord, apparatchik en mission commandée à Marseille. La Guerre d’Espagne s’invitera aussi dans le paysage, avec les trafics d’armes qui vont avec. Le second angle est la compréhension de l’espace marseillais, sa géographie, ses vieux quartiers dont d’ailleurs une partie sera rasé pendant la guerre. C’est un des points forts de l’ouvrage, faire ressortir de cette forme urbaine de l’ancien temps une grande poésie. Sans doute y suis-je aussi sensible parce que c’est la ville où je suis né et où j’ai grandi. Cette ville n’existe plus, hélas, à la fois du fait de la transformation des populations, de son extension démesurée et des opérations malheureuses d’urbanisation. Mais j’en ai connu les vestiges, et c’est ce qu’on retrouve dans le livre de Thomazeau. A travers ces intrigues emboîtées, il va y avoir en creux une forme de modernisation, qui si elle passe par des projets immobiliers un peu scabreux, passe aussi par l’émancipation féminine. C’est bien cette voie que suit la femme de Cardella qui, tandis que celui-ci agonise, va fréquenter la pègre en travaillant pour elle

Incendie des Nouvelles Galeries sur la Canebière 

Très bien documenté, à quelques petits anachronismes près, l’ouvrage est aussi bien écrit, en ce sens qu’il use d’un vocabulaire en accord avec son sujet, mais également parce qu’il est bien moins ennuyeux qu’Ellroy qui lui aussi utilise des intrigues emboîtées comme pour perdre le lecteur. Pour le dire d’un mot, c’est peu moderne, et sans doute est-ce cela qui en fait aussi la qualité puisqu’il s’agit de restituer une ambiance d’époque. Et au fond, je me demande si le Marseille que Thomazeau aime et vénère n’est pas le même que le mien, celui de la nostalgie et de la légende, plutôt celui d’aujourd’hui. L’ouvrage se referme sur l’incendie des Nouvelles Galeries, événement considérable qui clôture une période houleuse et qui transformera la ville de Marseille parce qu’il pointe l’incurie de la municipalité. Je n’ai pas pu m’empêcher de faire le parallèle avec ce qui se passe aujourd’hui : Marseille s’effondre sous le regard impassible et mort de son maire, l’affairiste Jean-Claude Gaudin, et de ses conseillers qui font aussi office de marchands de sommeil en dehors de leurs occupations politiques, tout cela comme si une époque était en train de se terminer avec la fin du règne d’un personnage politique des plus controversés[3]. 

Africains sur la place de Lenche à l’époque du Front populaire 

Quels que soient les mérites de cette reconstitution historique, l’ouvrage de Thomazeau n’est cependant pas un livre d’histoire, c’est un roman. Et si en tant que tel il porte un regard désabusé sur la ville, ce qu’elle est aussi bien que ce qu’elle a été, il y a aussi de beaux portraits, notamment ceux des femmes qui sont en voie d’émancipation dans une ville en ébullition. C’est un roman choral dont le personnage principal est la ville de Marseille. Comme dans tout bon roman noir, l’ambiguïté est présente à toutes les pages, que ce soit dans le comportement du policier assassiné, ou dans celui de Paul Carbone qui à côté de sa dureté naturelle peut montrer également un aspect plus débonnaire. On y verra donc aussi des policiers corrompus, un journaliste hésitant entre la voie de la corruption et celle de l’éthique de sa profession, cette hésitation se réglant sous la forme d’un rapport de force avec le milieu.

Otto Preminger est considéré à juste titre non seulement comme un cinéaste important à la carrière très diversifiée, mais aussi comme un des fondateurs du film noir. En réalité il n’a que très peu tourné de films noirs dans sa carrière prolifique, à peine une demi-douzaine, mais ce sont pour la plupart des films marquants. En 1944 il a donné Laura, un film fameux qui a été un grand succès public et critique et qui reste emblématique du cycle classique du film noir. Après Laura Preminger remplace Ernst Lubitsch, avec qui il était très lié, mais qui était très malade, sur une comédie A royal scandal. Et puis il va tourner Fallen angel. Pour cela il va s’appuyer sur un ouvrage de la romancière Marty Holland, pseudonyme de Mary Hauenstein, qui sera traduit à la Série noire sous le titre Le resquilleur. On ne sait pas grand-chose de cet auteur. Sur les cinq romans qu’elle a écrits, deux ont été traduits en français, le second étant Estangled sous le titre Pas blanc ! Récemment on a retrouvé un roman inédit de cette femme, décédée en 1971, Baby Godiva. On sait aussi qu’elle a donné une histoire dont a été tiré l’excellent The file on Thelma Jordon de Robert Siodmak[1]. James M. Cain aurait travaillé avec elle sur un scénario tiré d’un autre de ses romans The glass heart, scénario jamais réalisé. 

Eric Stanton, complètement fauché et amer débarque dans un petit village, Walton, dans la région de San Francisco. Chez Pop, il va lui venir l’idée de s’imposer à une équipe d’escrocs qui font croire à des populations crédules qu’ils peuvent communiquer avec les personnes disparues. Stanton va les aider à vendre leurs tickets. Pour cela il va rentrer en contact avec les sœurs Mills, Clara et June qui sont aussi très riches. Car en effet, si les deux sœurs viennent assister à la séance de parapsychologie du professeur Madley, alors ce sera un succès. Tout marche plutôt bien. La foule vient assister à ce spectacle. Madley voudrait bien que Stanton fasse la route avec eux. Mais Stanton s’est toqué de Stella, la sensuelle serveuse de chez Pop. Il flirte avec elle, mais elle ne veut pas aller trop loin car son but n’est pas l’amour ou la romance, mais plutôt de se marier et d’avoir une maison. On apprend d’ailleurs rapidement que tous les mâles du patelin lui courent après. Stanton voit ça comme un défi. Pour l’épouser il lui faut de l’argent, et pour avoir de l’argent, il ne trouve rien de mieux que de séduire June Mills et l’épouser pour ensuite lui voler ses économies qu’elle serre dans un coffre à la banque. Malgré la méfiance affichée de Clara, June est très amoureuse de Stanton. Il semble qu’il réussisse à mener ce plan scabreux à terme, mais l’impondérable arrive. La nuit même de son mariage avec June, Stella est assassinée. C’est le curieux Judd, une sorte de policier en retraite qui va mener l’enquête. Il va soupçonner les nombreux flirts de Stella, notamment le malheureux Atkins qu’il maltraite avec beaucoup de plaisir. Judd prétend que c’est Stanton qui aurait offert une belle montre à Stella, montre qu’on a retrouvée près du cadavre. Stanton a peur et s’enfuit avec June à San Francisco. Dans un hôtel un peu sordide, il va découvrir peu à peu la personnalité de June et s’en rapprocher, mais aussi il va s’interroger sur lui-même et sur sa passion déraisonnable pour la pulpeuse Stella. Alors que June va à la banque chercher un peu d’argent, elle est arrêtée par la police pour être transférée à Walton où elle est interrogée sans relâche par le sadique Judd. Quelque temps après, chez Pop, alors que Judd commande un café, Stanton fait son retour. Là il accuse Judd d’être l’assassin. En effet il a mené sa petite enquête au lieu de fuir, et il a découvert que Judd non seulement avait été écarté de la police newyorkaise pour ses violences répétées, mais aussi qu’il avait acheté la fameuse montre qu’on a retrouvée dans la chambre de Stella. Judd tente de s’enfuir, mais la police est là. Stanton pourra enfin trouver la paix dans les bras de June.

Stanton arrive dans la petite agglomération de Walton 

Ne cherchons pas trop à savoir si cette histoire est vraisemblable. Attardons-nous plutôt sur ses enjeux. Stanton est en effet une sorte de vagabond qui transgresse les règles. Il y a d’ailleurs une parenté évidente entre cette histoire et The postman always rings twice, sauf évidemment que Stanton ne tue personne et surtout pas Pop. C’est un flambeur, mais il a toujours beaucoup d’imagination pour remonter de la monnaie. Quand il rencontre Stella, il a des pulsions sexuelles qui le dépassent et l’entraîne à se défier lui-même. Ce défi lui apparaît d’autant plus important que Stella se refuse à lui. Elle est très dure et mène tout son monde à la baguette, ne faisant confiance à personne, sûre de ses charmes, elle avance ses prétentions. Il y a donc une guerre sourde entre cette sorte de vagabond et cette femme agressive et sensuelle, matérialiste et obstinée. L’enjeu est le sexe encore plus que l’argent. Le thème sous-jacent est que Stanton est entouré de femmes qui veulent le mettre au pas. Stella veut une maison dans laquelle elle l’enfermera. Mais June n’est guère mieux, elle veut elle aussi qu’il se range et devienne un homme raisonnable qui resterait à la maison sous la double surveillance de sa sœur et d’elle-même. C’est cette lutte à morte entre les sexes qui a mon sens fait l’intérêt de ce film. Autrement dit, Stanton ne maitrise rien du tout, pas même ses propres impulsions. Le fait du reste qu’Atkins et dans une certaine mesure le cruel Judd subissent aussi le diktat de Stella fait que le film tourne à la généralisation de cette guerre entre les hommes et les femmes dans l’Amérique qui découvre la société de consommation en même temps que le développement de la société de consommation. Les deux sœurs Mills sont des vieilles filles, issues de la riche bourgeoisie locale, elles sont isolées parce qu’elles n’ont pas su prendre le tournant de la modernité. C’est la plus jeune, June, qui va s’en rendre compte la première et accepter de rentrer dans ce jeu des rapports marchands. En effet elle ne propose rien d’autre que son argent et son corps à Stanton, en échange de sa présence qui lui ferait oublier sa solitude. Stanton le comprend très bien quand il lui vante les mérites justement de la consommation. Il lui explique en long, en large et en travers, que la musique et les livres, c’est bien moins intéressant que de consommer des petites choses de la vie quotidienne, du Coca Cola, une soirée au bowling. En filigrane il y a le fait que justement la féminisation accélérée de la société est absolument nécessaire à la progression de la marchandisation des rapports sociaux. A la fin quand Stanton décide de se plier aux exigences du mariage, il fait d’ailleurs une drôle de tête. Il a conscience d’avoir aliéné sa liberté en échange d’une vie probablement confortable sur le plan matériel. 

Stanton s’acoquine avec une équipe d’escrocs 

Les deux escrocs qui font dans la parapsychologie apparaissent dès lors comme des personnages du passé. Ils vivent au jour le jour, sans plan d’avenir, prolongeant l’errance autant qu’ils le peuvent. C’est ce qui en fait d’ailleurs qu’ils apparaissent comme sympathiques face aux autres protagonistes qu’on nous montre comme particulièrement calculateurs et mesquins. Stanton lui est sur le fil, hésitant sur la voie qu’il doit suivre, mais il va devenir moderne grâce à June qui finalement est bien plus maline que Stella, elle sait ce qu’elle doit donner pour garder Stanton sous sa coupe. Il faut dire que Stella n’a pas d’argent, seulement sa beauté sulfureuse et ce n’est pas assez. Comme c’est son seul bien, on suppose que c’est pour cela qu’elle reste très parcimonieuse avec. Le film en dit long sur l’opposition des deux femmes entre lesquelles Stanton doit choisir. L’une est agressive et très sensuelle, l’autre effacée et très peu attirante physiquement. Mais on ne sait pas au bout du compte laquelle sera la plus dangereuse !

La belle et sensuelle Stella le fascine 

La manière de filmer est typique de Preminger, du moins à cette époque. En s’appuyant sur la superbe photo de Joseph LaShelle qui avait travaillé sur Laura, Preminger utilise au mieux les possibilités du studio. En effet, il y aura très peu d’extérieurs, guère d’images intéressantes de la ville de San Francisco. Il y a d’ailleurs assez peu de décors : le snack de Pop, le logement de Stella, quelques chambres d’hôtel et la maison des sœurs Mills. Curieusement cela ne donne pas l’impression du théâtre filmé. C’est essentiellement parce que Preminger a une grande science du déplacement de la caméra. Celle-ci n’évolue pas seulement à l’aide de travellings assez courts et en multipliant les angles de prise de vues, mais aussi verticalement, ce qui permet d’accroître visuellement la profondeur de champ. On va retrouver les codes du film noir de cette époque, les stores vénitiens, ou encore les points lumineux, les lampes qui attirent le regard et augmentent l’importance des ombres. Mais cela reste enfermé dans les chambres d’hôtel et au snack de Pop. Dès qu’on s’éloigne de ces lieux, notamment dès que June rentre en jeu, l’image s’éclaire et le jour reprend son importance sur les ombres de la nuit. Le combat perdu d’avance de Stanton est aussi le combat entre la nuit et le jour. C’est ce qui explique les différences de styles utilisées. 

June et Clara vont visiter leur coffre 

L’interprétation est intéressante. Preminger fait une nouvelle fois confiance à Dana Andrew pour porter le film sur ses épaules, et de fait c’est bien le point de vue de Stanton qui domine le récit. C’est un comédien très solide malgré un physique un peu fade qui arrive à faire sortir de lui-même les éléments de la colère, le doute aussi bien que l’accablement. Ensuite c’est Linda Darnell qui attire le regard. Elle a une présence incroyable. Le but de Preminger est de nous faire admettre qu’on se damnerait facilement pour elle, et ce but est parfaitement atteint. Mais Linda Darnell ce n’est pas qu’un corps, incarnant une femme aussi belle que méchante et obtuse, elle varie dans son jeu, notamment quand on sent qu’elle hésite à se laisser aller à des sentiments amoureux. Ce n’est pas sans raison qu’elle a fait une excellente carrière, chez Preminger, mais chez Mankiewicz, chez Robert Wise ou encore chez John Ford, My darling Clementine. On dit que pour le rôle de Stella elle a fait un stage de serveuse d’une quinzaine de jours, et que ce rôle a été accepté par elle après qu’elle ait refusé une trentaine de scénarios qu’on lui avait proposé, car elle était à cette époque une grande vedette. Elle est malheureusement un peu oubliée[2]. Ici elle efface tout de même Alice Fay qui était sensée être la vedette du film. Cette dernière est aussi excellente, mais Preminger avait on le sait la réputation d’un excellent directeur d’acteurs. Plus habituée à des comédies ou des comédies musicales, elle est un peu à contre-emploi. C’est d’ailleurs un de ses rares rôles dramatiques. Les seconds rôles sont intéressants, à commencer par le sinistre Judd, flic déchu et sadique, qui est incarné par Charles Bickford. Il y a également la très bonne Ann Revere dans le rôle de la sœur de June, et John Caradine dans celui de l’escroc à la parapsychologie. 

A San Francisco, Stanton va se rapprocher de June 

C’est un film que je n’avais pas revu depuis longtemps. Je l’apprécie beaucoup plus aujourd’hui. Il a reçu un excellent accueil public, mais la critique a été très désorientée par le manque de réalisme de l’histoire. Avec les années qui passent on considère généralement que ce film est sous-estimé. Et je crois l’avoir montré ci-dessus. Sans doute aussi que la fin supposée heureuse transgresse un peu les codes narratifs du film noir. le début du film est très ancré dans la réalité sociale de ces escrocs qui parcourent le pays pour se faire passer pour des guérisseurs, des parapsychologues ou des prédicateurs, et puis, cette approche est brutalement évacuée. De même la fin est très elliptique, on passe directement de l’arrestation de June à l’intervention de Stanton, c’est-à-dire qu’on néglige de traiter le travail forcément difficile qu’il a dû effectuer pour prouver la culpabilité de Judd. Mais l’important n’est pas d’aboutir à l’arrestation du criminel, c’est d’en arriver au piège qui va se refermer sur Stanton lorsqu’il retrouvera June et sa maison. C’est d’ailleurs June qui conduit l’automobile sur le chemin du retour. Quelques années plus tard, Preminger tournera un nouveau film noir dans lequel un ange pervers sera le centre de sa réflexion, ce sera Angel face avec Jean Simmons et Robert Mitchum, un titre qui rappelle évidemment Fallen angel. Terminons par deux petites remarques. Comme on le sait Preminger a été un ennemi de la censure à Hollywood. Ici il tourne une scène de lit étrange. En effet à San Francisco, on voit June et Stanton dormir dans le même lit, et on comprend même qu’ils ont fait l’amour. Or à l’époque il était plus coutumier de monter un couple, même mari et femme, dans deux petits lits séparés. La seconde anecdote est que dans le début du film on voit Stanton regarder sa cravate dans un miroir tout en discutant avec Joe Ellis. Cette scène qui existe déjà dans Laura, sera reprise par Melville dans Le doulos. 

Judd se fait vraiment menaçant

Laura est certainement un des plus célèbres films noirs, un film incontournable dans le cycle classique. Mais Laura c’est avant toute chose un roman de Vera Caspary. Cette dernière faisait partie de ce qu’on appelle Radical Hollywood, très à gauche, engagée au parti communiste, elle eu les pires ennuis avec l’HUAC, et dut même s’exiler un moment en Europe pour éviter la prison[1]. Ceci explique pour beaucoup le principe sur lequel repose Laura, principe souvent oublié par la critique qui privilégie l’intrigue policière au détriment justement d’une approche plus sociale. Mais cela ne dérangeait pas Otto Preminger qui, bien que n’étant pas proche du parti communiste, avait des idées progressistes comme on disait alors, et qui s’est toujours battu avec constance contre la censure. C’est d’ailleurs lui qui, en 1960, à travers Exodus, fit revenir sur le devant de la scène Dalton Trumbo, le banni d’Hollywood qui travaillait à l’écriture de scénarios sous des noms d’emprunt[2]. 

Le policier McPherson est chargé de trouver l’assassin de Laura Hunt qui a été tuée chez elle d’un coup de fusil. Il va donc faire le tour de toutes ses relations pour comprendre quelles peuvent être les raisons de ce meurtre. Il commence par rencontrer Waldo Lydecker, un journaliste à succès dont les chroniques journalistiques et radiophoniques sont très suivies. McPherson le rencontre dans son bain où il écrit sur sa machine. Waldo va proposer à McPherson de l’accompagner dans sa tournée des différentes personnes que le policier veut rencontrer. Celui-ci va commencer par interroger Shelby Carpenter, une sorte de gigolo sans le sou qui devait se marier avec Laura. Lors de cette rencontre, on comprend que Waldo aimerait bien voir Shelby accusé du meurtre de Laura. Puis McPherson interroge Ann Treadwell, très riche, mais qui, vieillissante voudrait bien se marier avec Shelby qu’elle trouve à son goût.  McPherson prend des notes, puis, au cours d’un repas auquel Waldo l’a invité, il va apprendre comment Waldo et Laura se sont connus. Ce qui va donner lieu à un très long flash-back. Waldo se flatte d’avoir découvert et modelé Laura. De petite stagiaire dans une agence de publicité, par ses relations, il en a fait une sorte de star de la profession. On comprend qu’il a été très amoureux de Laura. McPherson apprend aussi que probablement Laura ne voulait plus épouser Shelby car celui-ci avait entamé une relation avec une certaine Diane Redfern, tout en chauffant les pieds de Ann Treadwell. Sous le portrait de Laura, McPherson boit un peu trop, puis s’endort. Il est tiré de son sommeil par le retour inattendu de Laura ! Celle-ci était partie dans sa maison de campagne pour un long week-end ce qui lui aurait permis de faire le point sur sa situation avec Shelby. Bientôt on apprend que c’est cette Diane Redfern qui a été tuée. L’enquête devient alors très confuse. D’autant que la bonne de Laura a menti également. Laura a ensuite un rendez vous clandestin avec le même Shelby. McPherson le suit, Shelby va à la maison de campagne pour y cacher un fusil. Peu à peu le doute s’installe dans la tête du policier. Il va donc convoquer tout le monde chez Waldo, et va arrêter Laura. Il l’embarque au poste de police. Là il l’interroge. Puis finalement il la relâche. En vérité il cherche l’arme qui a tué Diane. Il pense qu’elle est cachée dans la pendule de Waldo. Mais chez lui il n’y a rien. Il va découvrir un autre fusil dans une pendule similaire, mais chez Laura ! Ce fusil a sûrement les empreintes de Waldo. Alors qu’une idylle s’ébauche entre McPherson et Laura, Waldo revient, il récupère le fusil et prétend tuer Laura parce qu’il ne supporte pas qu’elle le rejette, et surtout qu’elle lui a manifesté son mépris, lui interdisant de la revoir. Mais au dernier moment, McPherson enfonce la porte, et la police tue Waldo. 

 McPherson interroge l’antipathique Waldo qui travaille dans son bain 

Riche en rebondissements divers, Laura porte une thématique complexe. Le cœur de l’intrigue est la jalousie. D’abord celle de Waldo qui est jaloux de Shelby, puis de McPherson. Il croit avoir fabriqué Laura, mais celle-ci lui échappe maintenant. Les femmes sont également jalouses entre elles : Ann qui a des vues sur Shelby jalouse Laura. Mais également Diane Redfern jalouse aussi Laura, la preuve, elle revendra le cadeau que Laura avait fait à Shelby. Mais la jalousie déborde les simples relations amoureuses, elles sont filtrées par les rapports de classe. Dès leur première rencontre, Waldo et McPherson s’affrontent durement, même si ce n’est qu’avec des mots. Waldo ne supporte pas que Laura s’intéresse à McPherson, et celui-ci déteste le caractère bouffon de cet homme riche et sophistiqué. Vera Caspary venait d’un milieu très modeste, il est naturel qu’elle soit sensible à ce genre de thématique. Physiquement les deux hommes sont à l’opposé : McPherson est carré, solide, direct, Waldo est malingre, manipulateur et sournois. Cela va lui donner un côté homosexuel, car il jalouse toujours des hommes qui physiquement le dépassent, alors qu’il croit avoir exactement ce qu’il faut pour dominer le monde : la richesse, la culture, une certaine intelligence qui lui permet de balancer des réparties cinglantes. Laura est, par sa beauté, un enjeu pour tout le monde. Mais en même temps qu’est-elle ? Elle semble assez vide et indéterminée, prompte à se faire berner par le premier imbécile venu. Elle reste tout hébétée quand elle doit avouer à la grande satisfaction de McPherson qu’en réalité elle n’a jamais aimé Shelby. La fin du film reste très ouverte, et malgré l’esquisse d’un baiser, il semble que finalement rien ne sera possible entre Laura et McPherson. 

McPherson s’est endormi devant le portrait de Laura 

La structure du récit hésite un peu entre enquête policière à la manière de Raymond Chandler, et film noir. Il y a en effet des ressources dignes d’un roman à énigme, cette manière de rassembler les différents protagonistes et de les confronter pour faire jaillir la vérité. Mais cette tendance n’est pas propre à Caspary, ni à Preminger, on la trouve aussi chez Chandler qui travaillait beaucoup ses intrigues pour ne pas laisser ses personnages s’emparer du récit. Aux Etats-Unis, dans les années quarante, le roman policier de type anglais est très apprécié par le peuple, il nourrit largement les maisons d’édition qui se lancent dans cette sorte de récit. C’est seulement au fil des années que la forme plus dure du roman noir va l’emporter au point de donner des intrigues de moins en moins sophistiquées, s’intéressant de plus en plus aux caractères, à l’atmosphère et à la psychologie[3]. Cependant il est vrai que cette dichotomie va se refléter dans la manière de filmer. Quand McPherson pénètre le milieu bourgeois avec son petit carnet et ses questions dérangeantes, c’est très lumineux, souvent en plein jour. Par contre quand il enquête sur Laura, la nuit fait son retour, il pleut, tout devient plus ouaté et plus flou. On passe donc d’une sorte de roman à énigme à un roman noir. McPherson espionne Laura, il l’a mise sur écoute et ces écoutes sont confinées honteusement à la cave, comme s’il était inconvenant d’espionner Laura ! McPherson retrouve son côté dur dès qu’il interroge Laura sous le feu cruel d’une lampe, il apparait finalement plus raisonneur et plus doux avec l’antipathique Waldo. Mais face à Laura, il perd ses moyens et n’utilise plus que sa brutalité instinctive, on se demande d’ailleurs si ce n’est pas pour ça que Laura est attirée par lui. Quand Waldo lui demandera des comptes sur cette attirance qu’il juge contre-nature, elle lui répondra que McPherson avait l’air content de la voir vivante quand elle est revenue chez elle.

Laura est réapparue 

Du point de vue cinématographique, c’est impeccable. Il y a cette science particulière de Preminger à faire bouger la caméra dans des espaces étriqués et d’enfermer les personnages dans un univers matériel fait d’objets qu’on peut pressentir comme inutiles. Il s’appuie sur la très belle photo de Joseph LaShelle qu’il retrouvera encore par la suite plusieurs fois. Encore qu’on avance que Lucien Ballard aurait photographié une partie du film, ce qui pourrait expliquer qu’il y a une différence de ton entre certains plans, par exemple les plans à la fin qui voient Waldo hésiter pour revenir chez Laura. Preminger aimait bien travailler toujours avec la même équipe, aussi bien sur le plan technique que pour ce qui concerne l’interprétation. Il réutilisera encore plusieurs fois Dana Andrews, l’associant à nouveau avec Gene Tierney dans Where the sidewalk ends. Il y a peut-être un peu d’abus dans ce film des fondus-enchaînés qui donnent comme des effets de miroir dans la confusion des images. La scène du début du film qui voit McPherson interroger Waldo dans son bain renvoie directement à Dalton Trumbo qui travaillait de cette façon[4]. Est-ce une pique qui est adressé au grand scénariste blacklisté ?

McPherson doit reprendre l’enquête à ses débuts 

L’interprétation est évidemment excellente et parfaitement bien équilibrée. Quoique Gene Tierney domine le film par sa beauté, elle n’intervient qu’au milieu, auparavant elle est seulement racontée par Waldo. Elle montre des facettes intéressantes de son talent, elle est différente quand c’est une personne un peu naïve racontée par Waldo, et quand c’est une femme assez rouée qui, dans la deuxième partie du film, prend sa vie en charge. C’est évidemment son meilleur rôle. Dana Andrews qui était déjà avant ce film un acteur connu, il avait tourné avec Jacques Tourneur, avec Renoir ou encore William Wellman, change ici de registre. Il s’introduit de très belle manière dans le film noir dont il va devenir un acteur emblématique, aussi bien avec Preminger qu’avec Fritz Lang. Contrairement à ce qu’on pense, il n’était pas le premier choix de Preminger. Celui-ci voulait réutiliser le couple Laird Cregar-George Sanders qui avait très bien fonctionné dans les films de John Brahm – The lodger[5] et Hangover square[6] – mais la mort prématurée de Laird Cregar qui devait jouer McPherson bouleversa ses plans. Si Preminger avait pu suivre ses premières intuitions, le film aurait sans doute eu un peu plus une allure de film anglais. Du coup l’antipathique Waldo sera joué par Clifton Webb, un acteur de théâtre qui va renouveler par la suite ce genre de prestation d’un vieux con prétentieux et bavard qui aime faire étalage de sa richesse et de sa sophistication, par exemple dans The dark corner d’Henry Hathaway. Mais il est ici très bien dans un rôle bavard où il peut cabotiner à l’envie. Plus étonnant est sans doute Vincent Price dans le rôle de Shelby Carpenter. Il n’avait pas encore la moustache en ce temps-là ! Sa haute taille rend paradoxale sa fragilité en tant que gigolo qui s’affiche sans complexe. Judith Anderson dans un rôle plus étroit, celui de Ann Treadwell, est aussi très juste.

Laura est interrogée sans ménagement 

Le succès de ce film ne peut pas se comprendre sans qu’on prenne en compte aussi le soin des décors et l’excellence de la musique. Laura, le thème qui est joué au piano va devenir une ritournelle favorite de nombres musiciens de jazz sur laquelle ils aimeront improviser, de Charlie Parker à Bill Evans en passant par Eric Dolphy. Des chanteurs comme Frank Sinatra, Billy Eckstine ou Ella Fitzgerald s’en empareront aussi.  

Waldo a fait semblant de partir 

Le film fut un gros succès public et obtint des critiques très favorables. C’était tout de même un film à gros budget. Au fil des années, il est devenu une référence qui s’étend bien au-delà du cercle des amateurs de films noirs. Il semble aussi que Preminger soit le premier à avoir intégré le portrait comme référence fétichiste pour un amour impossible. On retrouvera cela chez Fritz Lang, The woman in the windows et Scarlet street, chez Douglas Sirk, Shockproof et jusque chez Hitchcock dans Vertigo. C’est vraiment ce film qui va assurer la renommée durable d’Otto Preminger comme un réalisateur de premier rang qui ne doit pas, qui ne peut pas, d’ailleurs être réduit à ce seul film.

Waldo veut tuer Laura  

Sur le tournage de Laura

Au début des années soixante-dix, les ouvrages de Roger Borniche connaissaient un très grand succès public. Ils racontaient tout en les romançant évidemment, des affaires auxquelles il avait été mêlé de près ou de loin dans l’immédiat après-guerre. Il participa à l’arrestation de quelques bandits célèbres, notamment celles de René Girier, dit René-la-canne, et d’Emile Buisson. Le premier n’a eu droit qu’à un film médiocre tourné par Francis Girod en 1977 avec Gérard Depardieu et Michel Piccoli. René Girier était pourtant un personnage hors du commun qui méritait mieux. Le second a toujours eu une mauvaise réputation, celle d’un tueur sanguinaire et un peu déséquilibré qui finit d’ailleurs sur l’échafaud. Curieusement d’ailleurs les romans de Borniche en dehors des deux que je viens de citer n’attireront guère le cinéma. Ces ouvrages avaient le mérite de revenir sur une période légendaire du milieu, celle qui suivait la Libération. Ils détaillaient les difficultés du métier, les longues traques qui devaient aboutir à l’arrestation de ces gros gibiers. L’amour du détail replongeait ainsi le public dans une France en train de disparaitre sous les coups de boutoir de la modernisation accélérée qu’on a connu à la fin des années soixante. Le film de Jacques Deray va jouer pour partie sur la nostalgie. Flic story, le roman aurait été selon Borniche lui-même encouragé par Alain Delon. Et c’est d’ailleurs ce dernier qui va produire le film.  

Nous sommes en 1947. Emile Buisson vient de s’évader de l’asile de fous où il était enfermé. C’est Borniche et son équipe qui sont chargé de l’affaire par la Sureté, leur patron espérant qu’il fera ainsi la pige à la Préfecture de Police. Tandis que Borniche cherche à le coincer, Buisson s’en va faire des casses avec sa petite bande, rackettant au passage les bourgeois dans des restaurants de luxe. Borniche va avoir l’opportunité de pister Buisson grâce à Raymond un bistroquet qu’il a retourné pour en faire un indic. Buisson s’est en effet réfugié chez son frère dans un quartier populaire de paris, à Gambetta. Les hommes de Borniche sont à deux doigts d’arrêter Buisson et sa bande. Mais les choses se passent très mal et Buisson arrive à s’échapper une fois de plus, son complice René Bollec ayant aperçu les peu discrètes chaussettes à clous qui cernent l’immeuble. Buisson comprend qu’il a été trahi par Raymond et s’en va le descendre. Il peut continuer son parcours sanglant, attaquant une usine où il rafle la paye. Bientôt Borniche va être mis sur la piste de Mario. Il fait mettre le restaurant où il a ses habitudes sur écoutes. C’est ainsi qu’il apprend que Mario doit rencontrer Buisson. Mais Buisson a repéré les poulets et parvient encore à s’échapper. Cependant comme il croit que Mario l’a balancé, il va le descendre. La bande à Buisson doit monter un coup, une perception. C’est Paulo le Bombé qui est sensé faire les repérages. Mais Borniche le piste et va le faire chanter à cause de sa femme tuberculeuse qui a besoin de pénicilline à une époque où elle est rare et chère. Paulo le Bombé va donner la planque de Buisson. Celui-ci se cache dans une auberge en retrait. Borniche, sa femme et ses deux équipiers qui se font passer pour des touristes vont l’arrêter. C’est un peu dangereux parce que Buisson est armé d’une grenade. Mais ils y arrivent après que Borniche ait ceinturé Buisson. L’arrestation étant bouclée, Borniche devra interroger le gangster sur les faits qui lui sont reprochés et à cette occasion ils vont sympathiser. Ce qui n’empêchera pas Buisson d’être guillotiné en 1956. 

Borniche propose à Raymond de devenir son indic 

A partir de la traque d’un bandit qui a réellement existé et qui a défrayé la chronique par ses meurtres à répétition, le film se veut une sorte de semi-documentaire sur les difficultés de la traque. Le scénario a été travaillé par Jacques Deray et Alphonse Boudard à partir du bouquin de Borniche. Il est assez linéaire et respecte ce que l’on sait d’Emile Buisson. Bien sûr il donne la part belle à Borniche. Son rôle est sans doute exagéré. En vérité dans toutes ces affaires qu’il a racontées, il a été un flic parmi tant d’autres. Mais le cinéma est là aussi pour simplifier les choses. A travers cette histoire, l’ambition du film est de produire une reconstitution soignée d’une époque révolue dans le Paris de l’après-guerre. Le ton sera à la nostalgie, notamment avec la voix off de Delon qui commente l’affaire au début et à la fin. Les difficultés de la traque sont compensées par le plaisir de la traque, mais aussi par la rencontre entre deux hommes qui finiront par sympathiser. Les références habituelles des films sur le milieu sont évoquées, le fameux code de l’honneur que personne ne respecte, les tendances sanguinaires et suicidaires de Buisson. Borniche est un leader et il a parfois du mal à retenir la hargne de ses troupes, il s’affrontera avec l’inspecteur Darros qui est très brutal. C’est peut-être la partie la moins crédible du film, car à cette époque dès que les flics agrafaient un truand, ils commençaient d’abord par lui mettre la tête au carré, avant de lui poser des questions. C’était la technique habituelle, histoire d’assouplir le caractère du prévenu, surtout si celui-ci était connu comme un bandit dangereux et violent. Souvent présenté comme un affrontement entre deux hommes, le film est d’abord l’histoire de Borniche, et Buisson est seulement le gibier. Les deux rôles ne sont pas du tout équivalents. Du reste on ne s’attardera guère sur la vie intime des gangsters. Certes on comprend bien qu’ils vivent un peu en famille, comme un clan, mais ils n’ont pas une très grande profondeur de caractère. Ils sont les ennemis de la société, donc pas de notre monde. Le scénario a tenté aussi de développer des relations entre Borniche et sa fiancée Catherine, histoire d’humaniser le personnage de l’inspecteur. Ce n’est pas très convaincant, et en outre, le fait de la faire participer à l’arrestation de Buisson n’apparait pas très crédible. Ça l’est encore moins compte tenu de l’époque à laquelle se passe cette histoire.

Borniche cherche sur le plan l’adresse du frère d’Emile 

Une grande partie de l’intérêt du film repose sur la reconstitution d’une époque. C’est ce qui est toujours le plus difficile, ici c’est plutôt bien fait, quoique les costumes de Delon me semblent un peu trop de bonne facture. Un inspecteur de police ne gagnait pas lourd à cette époque, et surtout pas de quoi se payer des fringues de vedette de cinéma. Ça pose moins de problème pour les truands qui, du moment qu’ils volent, ont forcément les moyens de se payer de belles fringues. Mais pour le reste les costumes et les tissus, les objets ont un bon aspect de vérité. Les lieux de Paris et de la banlieue sont utilisés intelligemment pour donner un parfum d’époque. En même temps le film va loucher du côté de Melville, par exemple dans la manière dont s’agence la poursuite dans le métro, ou les scènes dans la banlieue déserte. On peut regretter que le braquage de l’usine ne soit pas un peu plus soigné. Il nous paraît un peu trop rapidement expédié. En règle générale le film avance sur un faux rythme, parfois les scènes d’action sont sabotées, parfois on s’attarde sur des détails très mineurs, comme par exemple cette histoire avortée entre Emile Buisson et la jeune Jocelyne. Certes cela permet de faire apparaître Buisson comme un impuissant, ou comme quelqu’un dont la folie est le résultat de son peu d’implication dans les choses du sexe. Seule la scène de l’arrestation de Buisson pendant qu’il mange échappe à cette critique.

Emile plaisante mais fait peur à Paulo le bombé 

La réalisation n’est pas mauvaise. Elle manque peut-être un peu de rythme et d’imagination, Jacques Deray n’a jamais été un très grand technicien, mais c’est ici un de ses meilleurs films avec La piscine. Il s’entendait bien avec Delon et l’a accompagné sur sept films, c’est même lui qui l’a le plus souvent dirigé. C’était un cinéaste dont l’essentiel de la carrière s’est fait dans le film policier, avec parfois quelques incursions vers le noir. Flic story montre assez bien ses qualités et ses limites. Les travellings sont discrets, et Deray n’abuse pas des changements d’angle intempestifs, ni de la grue. Mais elle fonctionne assez bien et s’appuie sur une bonne photographie de Jean-Jacques Tarbes qui a beaucoup travaillé avec Deray, sur La piscine, les deux Borsalino et qui avait aussi fait la photo de Deux hommes dans la ville. Il y a un bon travail sur les couleurs et donc la saisie des couleurs de l’automne et de l’hiver qui se marient avec le vert de l’imperméable de Borniche. La séquence du braquage du restaurant permet d’utiliser la profondeur de champ et de donner de la force à l’action. Les scènes d’action sont plutôt fonctionnelles, propres, mais sans génie à une ou deux exceptions près que j’ai déjà signalées. Les face à face, que ce soit Borniche avec Buisson, ou Borniche avec son frère sur un lit d’hôpital, sont proprement cadrés, avec des gros plans qui laissent beaucoup de marge à l’expression des acteurs. 

Borniche vient examiner le cadavre de Mario 

L’interprétation c’est d’abord Delon, il a produit le film et s’y retrouve naturellement au centre. Il est très bien dans ce genre de rôle et ne joue pas les mutiques. Il est même plutôt bavard, sortant un peu de ses rôles trop sombres de voyou perdu. C’est la deuxième fois qu’il incarnait un flic. Il est épaulé ici par Jean-Louis Trintignant dans le rôle du tueur psychopathe. A cette époque la carrière de Trintignant patine un petit peu, il a multiplié les expériences et depuis Le voyou qu’il a tourné avec Lelouch, il n’a plus connu le succès. C’est un acteur connu qui navigue entre des films d’auteur et des films où les vedettes sont nombreuses et l’histoire éclatée entre plusieurs personnages. Il est plutôt bien. Et c’est lui qui des deux personnages est le plus taiseux. Il arrive à imposer sa présence, malgré sa petite taille. Les seconds rôles sont occupés par des habitués de la filmographie polardière d’Alain Delon. Renato Salvatori, Paul Crauchet, Maurice Biraud, ou encore Marco Perrin. Il y a très peu de femmes. Claudine Auger interprète Catherine. C’est une actrice qui n’a jamais réussi à s’imposer, ancienne Miss France, ancienne James Bond Girl, elle n’a obtenu que des rôles de faire-valoir, Jacques Deray l’avait déjà dirigée dans un film assez mièvre, Un peu de soleil dans de l’eau froide, adapté de Françoise Sagan. Mais ici elle n’est pas mal, bien que son rôle soit assez peu étoffé. Maurice Barrier et André Pousse se font remarquer dans le bon sens du terme dans des interprétations solides de truands. Il faut donner une petite mention à Alphonse Boudard qui a écrit aussi les dialogues, il incarne un petit imprimeur qui donne dans les faux talbins. C’est un bon souvenir pour ceux qui, comme moi, ont aimé l’écrivain et ses créations langagières qui fut aussi un peu voyou avant de se ranger. 

Un imprimeur de faux billets s’est fait coincer 

Le film a très bien passé l’épreuve du temps, même si ce n’est pas un chef-d’œuvre, il n’est pas assez noir pour cela. Peut-être aurait-il fallu donner plus de poids au personnage de Buisson, renforcer son côté psychopathe, mais cela aurait eu pour conséquence d’affaiblir le personnage de Borniche qui devait rester le sujet du film, aussi bien dans l’esprit de l’écrivain que dans celui de Delon. Le succès public a été au rendez-vous, et la critique pourtant généralement peu amène vis-à-vis des films de Delon a été pour une fois relativement bienveillante, bluffée sans doute par une reconstitution satisfaisante. L’aspect nostalgique qui va très bien finalement à Alain Delon, lui donne une patine intéressante. C’est une sorte de Borsalino qui se prendrait un peu plus au sérieux en refusant le côté parodique. La musique de Claude Bolling sera d’ailleurs bien moins sautillante, tout en rendant un hommage appuyé à l’époque.  

Emile Buisson est arrêté 

  Borniche passera de longs mois à interroger Buisson 

Le vrai Borniche et le vrai Emile Buisson