•  L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949

    Ce film qui relança la carrière un peu languissante de James Cagney et qui fut un grand succès public à sa sortie, est devenu au fil du temps un classique du film noir. Sa spécificité est en fait de se trouver au croisement entre le film de gangsters qui avait été la spécialité de James Cagney dans les années trente, et du film noir proprement dit qui avait vu l’explosion de la popularité d’Humphrey Bogart qui justement avait commencé par être plutôt une sorte de faire valoir de James Cagney dans des films de gangsters. En règle générale on distingue le film de gangsters du film noir par la façon de traiter la personnalité du héros, même si c’est un héros négatif. Le film de gangsters est moins complexe sur le plan psychologique que le film noir, plus manichéen, et donc il s’ensuit que le gangster, même s’il est un asocial doublé d’un psychopathe n’est pas considéré comme une victime de la société. Il est celui qui sème le désordre et qu’il faut mettre au pas. C’est le rôle de la police évidemment quand celle-ci n’est pas corrompue. Si dans White heat, Cody Jarrett est bien un psychopathe dangereux, il est également une victime comme on va le voir. Et c’est cette ambigüité qui va faire tout l’intérêt du film. 

    L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949 

    Cody Jarrett et sa bande attaquent un train 

    Cody Jarrett a la tête de sa bande qu’il mène d’une main de fer, attaque un train pour piller les fonds qu’il transporte. Au cours de cette attaque, il est contraint de tuer les deux mécaniciens, et un des membres est blessé par un jet de vapeur. La bande se réfugie dans la montagne en attendant son prochain coup. Il y a là aussi la mère de Cody, et sa femme la belle Verna qui s’ennuie à mourir dans cette vie isolée et austère. La police est sur les dents. Mais pour ne pas se faire repérer, la bande va quitter son refuge. Cody demande avant de partir à Cotton Valletti de tuer le gangster blessé pour ne pas laisser de témoin derrière lui. Mais c’est une faute parce que Valletti n’ose pas le tuer, c’est son copain, et que son cadavre va donner des indications sérieuses à la police qui s’oriente sur la piste de Jarrett et de sa mère. Mais les ennuis ne sont pas terminés pour Cody. Big Ed qui rêve de prendre sa place à la tête de la bande flirte avec Verna qui ne semble pas insensible à son charme ténébreux. Plusieurs fois la bande échappe à la police, notamment en se réfugiant dans un drive in où on passe un film de guerre. Cody en ayant marre d’avoir la police après lui a alors une idée lumineuse, il va s’accuser d’un délit relativement mineur pour écoper d’une petite peine de prison, mais grâce à cela il pense pouvoir échapper aux poursuites pour l’attaque du train et le meurtre des deux mécaniciens. Ça semble marcher, il va en prison pour une courte peine, mais la police lui met dans les pattes un mouton, Fallon, qui va tenter de l’approcher pour éventuellement le faire parler pour savoir ce qu’il a fait de son magot. L’affaire est compliquée parce que Cody est du genre méfiant. Pendant ce temps, Big Ed a séduit Verna. Et il va essayer de faire assassiner Cody en prison. Ça foire lamentablement : Fallon lui sauve la mise et ainsi commence à se rapprocher. La mère de Cody va venir le voir en prison, et elle lui annonce la trahison de Verna. Peu après, la mère de Cody décède, on apprendra plus tard que c’est Verna elle-même qui lui a tiré une balle dans le dos. Mais alors que Cody prépare une évasion avec Fallon, il apprend la mort de sa mère. Fou de douleur, il fait une crise qui force les autorités à lui mettre la camisole de force. Un complice lui ayant procurer un revolver, Cody va s’enfuir cette fois avec Fallon. Dès lors la police va les pister. Dans un premier temps Cody va régler son compte à Big Ed que Verna trahira d’ailleurs sans vergogne. Puis il monte un gros coup avec l’aide de Winston, un inspecteur du Trésor qui a engagé par ailleurs un truand pour conduire un camion-citerne. Or celui-ci connait Fallon. Le coup va avoir lieu : il s’agit d’attaquer une usine. Mais outre que Fallon va être démasqué, la police cerne les lieux. Tous les membres de la bande vont être tués, et Cody se fera exploser en haut d’une tour à gaz. 

    L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949

    Big Ed séduit Verna qui en a un peu assez de la tutelle de Cody et de sa mère 

    Cette histoire très animée mêle un très grand nombre de thèmes. Cody est un peu dérangé, il a des crises qui lui traversent la tête et le mettent sur le flanc. Sa mère est là pour le protéger, et en même temps elle l’encourage dans ses projets scabreux. Elle est donc tout autant criminelle que lui, et même peut-être plus puisqu’elle le pousse. Cody est donc de fait un solitaire qui ne peut exister qu’en s’imposant par la force, il n’a pas d’autre argument, alors que Big Ed par exemple peut tout à fait jouer de son charme. Ce couple mère-fils, pour étrange qu’il soit, définit une relation de confiance. Cody ne cesse de répéter qu’il n’a confiance en personne d’autre qu’en sa mère, et surtout pas dans sa femme. Les motivations de Cody ne sont pas très précises, certes, il travaille à amasser beaucoup d’argent, mais au fond il n’en a rien à faire, ce n’est pas un consommateur comme Verna ou Big Ed qui sont plutôt cupide. Il est avant tout un chef qui prend du plaisir à l’action comme une finalité en soi. Mais même si on comprend que Cody est une victime des circonstances, notamment de son hérédité, son père et son frère ont fini chez les fous, sa cruauté fait que la société doit s’en débarrasser au plus vite, même si pour cela elle doit user de ruses très contestables parce que Fallon est forcément fourbe et menteur. En utilisant ce type de méthodes, la police montre son impuissance à contenir les excès de Cody et de sa bande. Dans cette histoire, Cody et sa mère ne sont entourés que de menteurs, Verna, Big Ed, les policiers, mais aussi Cotton qui n’exécute pas les ordres de Cody par lâcheté. Cependant la corruption est aussi un peu partout, Winston, l’agent du Trésor, met en place des coups fumants, mais il se tient en retrait et laisse les autres prendre les risques à sa place.

    L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949 

    La mère de Cody le prévient de la trahison de Verna et de Big Ed

    La densité de l’histoire repose sur la complexité du personnage principal. On a beau démontrer que Cody est cruel et asocial, c’est pourtant vers lui que va la sympathie du spectateur te non vers la police. Ce qui ne veut pas dire du reste qu’on partage les exploits dérisoires de ce chef de gang. Le fait que Cody soit fou apparait également comme une explication à son comportement asocial, et sans l’excuser lui accorde les circonstances atténuantes. Mais il est rusé et intelligent. C’est pourquoi il domine des esprits faibles comme Verna ou Big Ed. La bande de Cody vit en dehors de la loi, mais aussi en dehors de la société, elle est obligée de se faufiler dans des coins perdus pour se protéger, à l’écart de la collectivité. Ce sont des prédateurs pour qui la vie humaine n’a pas de valeur, que ce soit le personnel du train, ou même les membres de leur propre bande. Cody se vengera très cruellement aussi du prisonnier qui a tenté de l’assassiner sous les ordres de Big Ed. Il l’enferme pendant des heures dans le coffre d’une voiture, puis le tue en tirant à travers. Cody est un caïd, il sait se faire respecter en prison, et malgré sa petite taille. Il suscite curieusement l’admiration des prisonniers. Et même Big Ed qui a peur de lui voudrait bien quelque part lui ressembler. C’est sans doute pour cela qu’il veut lui prendre aussi sa femme. Ce film a fait école en quelque sorte, et on en retrouve des traces dans Highway 301 où curieusement Steve Cochran va reprendre une partie du rôle de James Cagney[1]. Comme lui il s’impose par la violence, comme lui il tue impitoyablement ceux qui l’ont manqué d’une manière ou d’une autre. Au passage il aura lui aussi en horreur ceux qui écoutent la radio à longueur de temps. Ajoutons que le personnage de cette mère un peu abusive ressemble un peu à toutes ces mères criminelles qui vont monter un gang et défier la société comme dans The Grissom gang de Robert Aldrich ou dans Bloody Mama de Roger Corman. Si on voit bien que les très jeunes femmes par leur attraction sexuelle peuvent pousser au crime, il en est de même pour les mères qui ont trop couver leurs enfants, et évidemment cela donne une atténuation à la responsabilité de ces enfants perdus. Il est bien possible d’ailleurs que le portrait de la mère de Cody ait été un élément choquant déterminant dans le succès de ce film. 

    L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949 

    Cody apprend la mort de sa mère 

    La réalisation, c’est du Raoul Walsh, donc un peu filmé à l’ancienne par rapport à ce qui se faisait à l’époque, notamment parce que Raoul Walsh accorde moins d’intérêt aux extérieurs et aux décors naturels. C’est donc très efficace et en même temps on n’a guère droit à des mouvements compliqués d’appareil, ni à ces effets de photographie spectaculaires. Le rythme est excellent, il y a une vraie maîtrise du tempo. Les scènes d’action sont très bien menées. La scène d’ouverture est l’attaque du train, avec Cody qui saute à la sortie du tunnel sur un des wagons pour s’en aller prendre les commandes. La scène de clôture est d’ailleurs tout autant spectaculaire avec l’explosion de la tour à gaz et Cody qui s’en va brûler dans les flammes. Cette dernière scène me semble être aussi à l’origine de la scène finale de Odds against tomorrow[2], film qui est sans doute un des chefs-d’œuvre du film noir. il y a également les belles oppositions que Raoul Walsh fait entre les scènes intimes à l’intérieur de la prison et les scènes plus globales dans cette même prison dans l’atelier de mécanique et dans le réfectoire, avec des plongées parfaitement réussies, notamment quand Cody pète les plombs quand il apprend la mort de sa mère.

     L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949 

    Fallon tente d’arrêter Cody 

    L’interprétation est de haut niveau. Le film est d’abord construit autour de James Cagney. Il a une présence et une énergie incroyable, et même quand il donne des coups de poings et abat des hommes bien plus grands que lui – ce qui n’est pas bien difficile – il est crédible, il fait peur. Il est aussi très juste dans les scènes de migraine qui le ravagent périodiquement, ou quand il se retient de frapper sa femme. La scène où il fait tomber Virginia Mayo qui essaye son manteau de fourrure renvoie à celle où il entartrait Mae Clark dans The public enemy de William Wellman. C’est sans doute un de ses meilleurs rôles. Mais les autres acteurs sont excellents. Steve Cochran dans le rôle de Big Ed, et bien qu’il n’ait pas des scènes très nombreuses, crève l’écran. Il est le voyou parfait d’insolence et d’autosatisfaction. Avec des nuances, il répétera ce type de rôle assez souvent, ce sera le cas dans Higway 301 qu’on a déjà cité, mais aussi dans The damned dont cry ou dans Tomorrow is another day[3]. Raoul Walsh aimait bien Virginia Mayo, il l’emploiera au moins à quatre reprises dont dans l’excellent Colorado Territory. Elle tourna également 6 fois avec Steve Cochran. C’est une très bonne actrice. Elle joue évidemment de ses charmes et de ses seins pointus, mais elle a cette capacité à modifier à l’écran son caractère, dans Colorado Territory, elle était naïve et innocente, ici, elle est cupide et manipulatrice et assez dénuée d’intelligence. Elle mache consciencieusement son chewing-gum ! Bref elle est géniale. Ensuite il y a Edmond O’Brien dans le rôle de Fallon. Un pilier du film noir, malgré son physique un peu passe partout et anonyme, il a assez de présence pour tenir le rôle d’un flic roublard. Il y a aussi Margaret Wicherly dans le rôle de Ma Jarrett, elle est impeccable. Notez encore la présence de Wally Cassel dans le rôle de Cotton, on le retrouvera aux côtés de Steve Cochran dans Highway 301, dans un rôle un peu semblable. 

    L’enfer est à lui, White Heat, Raoul Walsh, 1949 

    Cody sait que l’usine est cernée par la police

    C’est donc un très bon film noir à la réputation justifiée. Un film relativement long pour l’époque et pour le genre, très soigné dans les détails comme dans la réalisation. Bien sûr il faut le remettre dans son époque et depuis il est vrai qu’on a fait mieux si je puis dire avec les portraits de gangsters psychopathes, mais les rôles que Joe Pesci à tenus dans les films de Scorsese, Goodfellas et Casino, lui doivent beaucoup. C’est peut-être un des premiers films à mélanger les thématiques du film de gangsters et du film noir, avec un détour par la case prison.



    [1] http://alexandreclement.eklablog.com/le-temoin-de-la-derniere-heure-highway-301-andrew-stone-1950-a114844698 

    [2] http://alexandreclement.eklablog.com/odds-against-tommorow-le-coup-de-l-escalier-robert-wise-1959-a114844916 

    [3] http://alexandreclement.eklablog.com/les-amants-du-crime-tomorrow-is-another-day-felix-feist-1951-a114844734 

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  •  Borderline, William A. Seiter, 1950 

    William A. Seiter est assez peu connu, il a donné surtout dans des comédies légères et sans grand intérêt entre les deux guerres. Borderline c’est la frontière entre le Mexique et les Etats-Unis. Nous sommes en 1950, mais le cinéma américain s’intéresse déjà à la drogue qui arrive depuis la frontière. A cette époque d’ailleurs les films qu’on tourne aux Etats-Unis et qui mettent en scène cette opposition entre un Mexique pauvre et son voisin riche sont légion, le film noir s’est emparé de cette possibilité. The treasure of the Sierra Madre, Out of the past[1] pour partie, mais aussi The lawless de Joseph Losey[2] qui date de 1950, ou encore Border incident d’Anthony Mann tourné en 1949. Moins sérieux sera The big steal de Don Siegel avec Robert Mitchum qui passait beaucoup de temps à tourner au Mexique, notamment Where danger lives en 1950 sous la houlette de John Farrow[3]. La liste des films tournés au Mexique ou qui évoque le Mexique est très longue à la fin des années quarante et au début des années cinquante. Et encore nous n’évoquons ici que les films noirs. Le Mexique supporte aussi le western. Les raisons de cet engouement sont nombreuses. Il y a sans doute une attirance pour un pays si proche et si lointain dont les ressortissants commencent à migrer massivement vers le Nord. Egalement dans cette volonté d’exotisme la satisfaction d’être riche en utilisant l’écart de développement entre les deux pays. Mais il y a aussi probablement la volonté de conquérir de nouvelles débouchées pour les films hollywoodiens en mêlant des acteurs mexicains à des acteurs étatsuniens. C’est une manière de coloniser par la culture de masse un pays en se présentant à la fois comme le maître et comme un objet de désir. 

    Borderline, William A. Seiter, 1950  

    Un couple de passeurs de drogue a été arrêté par les douanes. Et pour remonter jusqu’à la tête du gang qui organise le trafic, on va décider d’envoyer Madeleine Haley au Mexique dans le but de séduire le dangereux Ritchie qui pourra mener jusqu’à ses commanditaires. Arrivée au Mexique Madeleine se transforme en Gladys LaRue, se fait danseuse de revue. Mais si Ritchie ne la remarque pas, elle va s’introduire dans son entourage en séduisant son adjoint qu’elle saoule copieusement. En train de fouiller la chambre de celui-ci, elle est surprise par le retour de Ritchie, mais avant d’avoir réalisé quoi que ce soit, Johnny McEvoy, apparemment un membre d’un gang rival, intervient l’arme au poing. Il veut savoir où se trouve la drogue pour la voler. Si Ritchie se tait, son homme de main parle. Dès lors Johnny et Madeleine vont se retrouver fuyant Ritchie et le Mexique pour retourner à Los Angeles. Bientôt on comprend que Johnny est aussi un agent du gouvernement étatsunien, mais Madeleine ne le sait pas, comme Johnny ne sait pas qu’elle est aussi un agent des douanes. Leur hostilité se transformera de façon très attendue en tendre relation au fil des difficultés qu’ils doivent affronter. Leur voyage est épique, volant une automobile, louant un avion peu apte à voler, usant d’un téléphone de campagne mexicain qui ne marche pas vraiment. A Los Angeles ils vont découvrir qu’ils travaillent pour le même camp. Sous la responsabilité de leur chef, ils vont donc travailler ensemble à démanteler la bande du cruel Gumbin que Johnny rencontre au zoo de Los Angeles, devant la cage des singes. Il va obtenir un rencard pour échanger la drogue contre l’argent, au cours d’une fusillade, toute la bande sera éliminée. Entre temps, ils auront fait coffrer Ritchie et ses sbires et ils pourront continuer leur histoire d’amour. 

    Borderline, William A. Seiter, 1950 

    Les douanes ont arrêté un couple de passeurs de drogue  

    Le ton du film se veut léger, nous sommes moins dans le réalisme d’un sujet brulant que dans la parodie. A part quelques emprunts stylistiques, ce n’est pas un film noir, mais un divertissement, une comédie rocambolesque. Les héros ne sont que rarement mis en danger et il n’y a guère de raison de s’inquiéter pour leur santé. Une grande partie du film est utilisée pour montrer les rapports d’animosité entre Johnny et Madeleine qui vont se transformer en rapports amoureux. Dès lors le cadre mexicain devient le décor d’une sorte de voyage de noces avant la lettre. Et sans doute qu’à cette époque les Américains rêvaient de se rendre au Mexique pour leur lune de miel. Le scénario paresseux est sensé être de l’obscur Devery Freeman. En tous les cas il dénote une condescendance gênante vis-à-vis des Mexicains qui sont représentés comme un peuple drôle et nonchalant. Le générique s’ouvre d’ailleurs sur le dessin d’un Mexicain en train de somnoler sous son large sombrero. Si on fait attention à ne pas représenter les Mexicains comme des sombres crapules, on les comprend un peu arriérés. C’est ce qu’on voit avec le personnage de Porfirio qui conduit une camionnette délabrée et qui possède une ligne de téléphone qui lui sert aussi pour étendre le linge. Le progrès n’est pas parvenu jusqu’ici. La preuve ? Il a une douzaine de gosses. Mais il est gentil et serviable. On verra également que les Mexicains sont très naïfs dans la manière de Johnny de rouler facilement leur police motorisée. Et puis les Mexicains chantent bien ! Ils ont donc des qualités. On verra aussi la fille ainée de Porfirio faire une tentative timide pour séduire Johnny, le grand Américain qui lui apparaît comme tout ce qu’elle peut désirer. 

    Borderline, William A. Seiter, 1950

    Madeleine tente de se faire remarquer par Ritchie  

    On pourrait dire que le véritable thème – le seul sans doute – du film c’est la démonstration de la supériorité de la culture étatsunienne sur celle du Mexique. Le reste est en effet anecdotique. On mesure le chemin qui a été parcouru depuis. Les films qui se passent aujourd’hui au Mexique, par exemple Sicario qui traite aussi du trafic de drogue[4], sont beaucoup plus inquiet et marque le recul évident des Etats-Unis sur le plan à la fois politique et culturel. La perspective qui est développée dans Borderline ne serait plus admissible aujourd’hui à l’heure de la mondialisation et du politiquement correct. Le second thème développé ici de façon marginale est celui de la guerre des sexes. C’est un thème très particulier du cinéma américain qui ressort sans doute de l’émancipation de la femme dans l’immédiate après-guerre, d’ailleurs Madeleine a un travail dangereux où il faut prendre des initiatives, et elle paye même de son corps en se déguisant – sans que cela ne soit jamais dit – en une sorte de prostituée devant séduire le dangereux Ritchie. Si tout paraît faux dans ce film, les relations homme-femme reflètent une vision sous-jacente de l’effondrement du patriarcat. Certes les larges épaules de Johnny remettront finalement de l’ordre dans ce chaos qui s’annonce, mais cela ne semble guère suffisant. 

    Borderline, William A. Seiter, 1950

    Ritchie surgit au moment où Madeleine fouille la chambre  

    Si ce film est intéressant sur le plan de ce qu’il peut refléter de la vision que les Américains se font d’eux-mêmes et de leurs voisins, sur le plan cinématographique c’est plutôt indigent. Mal rythmé et mal filmé, il y a peu de scènes qui échappent à la critique. Seules peut être l’attente dans une chambre d’hôtel de la venue de Ritchie, ou encore l’interrogatoire du couple de passeurs au tout début du film. Les scènes d’action sont médiocres, comme les scènes sensées se passer dans la nature et nous montrer quelques coins exotiques du Mexique. L’ensemble est plat, on a l’impression d’une pièce de théâtre filmé. Seiter ne sait pas trop comment faire entrer ses acteurs dans le champ de la caméra. 

    Borderline, William A. Seiter, 1950 

    Madeleine et Johnny vont passer la nuit dans un hôtel sur le chemin de l’aéroport  

    Borderline est sauvé du désastre complet par le couple vedette. Fred McMurray et Claire Trevor qui ont tout de même de l’abattage. Mais ils ne sont pas au mieux de leur forme, sans doute se sont-ils rendus compte qu’ils s’étaient un peu égarés. Fred McMurray se croit sans doute dans un film noir, tandis que Claire Trevor surjoue la comédie de mœurs. Ils ont cependant un certain charisme. Raymond Burr qui a tourné à cette époque une quantité industrielle de films noirs, est le cruel Ritchie. Habitué des rôles de mauvais garçon, il ne fait pas grand-chose pour se faire remarquer, se contentant de promener sa massive silhouette d’une manière nonchalante. Le reste de la distribution, c’est du tout-venant. Les acteurs mexicains sont choisis d’abord pour la caricature : c’est le cas de Nacho Gallindo qui interprète l’ineffable Porfirio et qui a joué très souvent le Mexicain naïf et rigolard. On le retrouvera plus tard dans le film de Marlon Brando, One-eyed Jack, et dans d’autres westerns comme El dorado d’Howard Hawks. 

    Borderline, William A. Seiter, 1950 

    Au zoo de Los Angeles Johnny rencontre le chef de la bande

    C’est le genre de production qui a très mal vieilli et qui n’a un intérêt que sur le plan historique pour comprendre comment les recettes du film noir ont été dévoyées. Cependant, passé ces réticences, on peut le regarder sans ennui comme un petit divertissement, un vestige du passé.



    [1] http://alexandreclement.eklablog.com/la-griffe-du-passe-out-of-the-past-jacques-tourneur-1947-a118298548

    [2] http://alexandreclement.eklablog.com/haines-the-lawless-joseph-losey-1950-a114844606

    [3] http://alexandreclement.eklablog.com/voyage-sans-retour-where-danger-lives-john-farrow-1950-a114844834

    [4] http://alexandreclement.eklablog.com/sicario-denis-villeneuve-2015-a119674594 

     

     

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  •  Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954

    Richard Quine, réalisateur hélas bien négligé aujourd’hui, était amoureux de Kim Novak. On le comprend, et c’est lui qui lui a donné ses plus beaux rôles, notamment dans le superbe Strangers when we meet, film où elle partageait l’affiche avec Kirk Douglas. Pushover marquent les débuts de Kim Novak à l’écran. Le scénario s’appuie sur un auteur de romans noirs très solide, Thomas Walsh, qui avait donné Nightmare in Manhattan, adapté à l’écran sous le titre Union station par Rudolph Maté[1]. Walsh prend très souvent comme personnage principal un homme d’ordre qui a des difficultés avec l’exercice de son métier.  

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954

    Un hold-up sanglant a eu lieu, Harry Wheeler et ses complices ont dérobé 200 000 $ à l’ouverture d’une banque. La police est sur les dents, et pour le piéger, ils surveillent la belle Lona, sa maîtresse qu’il a installée dans un studio coquet. Paul Sheridan est chargé de rentrer en contact avec elle. En réalité, et sans le savoir, il entame une relation amoureuse. La police a mis son téléphone sur écoute, et a loué un appartement en face du sien pour la surveiller. Mais Lona va démasquer à son tour Paul. Ils vont cependant se réconcilier. Bientôt, Paul va avoir l’idée de piéger Wheeler et de piquer le butin pour partir avec Lona. Cependant, Rick le partenaire de Paul va tomber amoureux à son de la voisine de Lona. Il aura l’opportunité de se montrer à son avantage en chassant un bonhomme qui tentait de s’imposer à Ann Stewart. Un flirt s’ébauche entre eux. Mais bientôt Wheeler arrive. Paul veut le coincer, le vieux Paddy qui devait surveiller la rue depuis la voiture, est défaillant, parti boire un verre au bistrot du coin. Les choses se passent mal. Wheeler est tué, Paul récupère le butin, mais accidentellement il tue Paddy qui sans doute l’aurait dénoncé. L’infirmière qui fricote avec Rick affirme qu’elle pourrait reconnaître l’homme qui se trouvait chez Lona et qui lui a refusé de la glace ! C’est Paul bien sûr. Le filet se resserre. Paul qui jongle un moment entre les portes, va tenter de s’enfuir avec Lona en prenant en otage Ann. En allant chercher la voiture de Wheeler pour récupérer le sac plein de billets, il se fait repérer et va être tué par ses collègues. 

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954 

    Un homme va au cinéma 

    Au premier abord on pourrait croire que le film est une variation sur le thème de Double indemnity. En tous les cas c’est ainsi que le film a été perçu à sa sortie. Mais il n’en est rien. D’abord parce que même si cela parait improbable, Paul et Lona développe une véritable relation amoureuse. Et du reste Lona pleurera lorsque Paul se fera tuer. Il y a donc un aspect romantique qui n’existait pas dans le film de Wilder. Ils ne sont pas vraiment cyniques ni sournois. Certes Paul veut dérober l’argent du hold-up. Mais sans doute y est-il poussé par le fait qu’il est tombé amoureux d’une poule de luxe en manteau de vison. A la fin il aura cette réflexion amère qu’au fond ils n’avaient pas besoin de cet argent pour partir reconstruire leur vie. Si Paul n’est pas très honnête, Lona n’épouse pas les canons d’une morale régulière. En effet, elle se fait entretenir par un truand que manifestement elle n’aime pas et avec qui elle s’ennuie, sans doute parce qu’elle apprécie les produits de luxe, et qu’elle n’a pas vraiment envie de travailler. Le couple formé par Paul et Lona est assez peu conventionnel, il est opposé comme cela au couple qui s’ébauche avec Rick et Ann. Deux individus assez fats finalement, dénués de toute fantaisie et respectueux de l’ordre établi, Ann à la première occasion dénoncera Paul, et Rick lui tirera dans le dos. C’est donc moins des caractères qui sont étudiés, qu’un individu qui va s’opposer au système dont il est un pilier. Lona suit le mouvement, nonchalante et faible, elle aime bien que Paul lui accorde une attention que probablement elle n’a pas avec Wheeler. Le film fait éclater les mensonges sur lesquels la société est fondée. Rick raconte pis que pendre sur les femmes qui pour lui sont toutes fourbes et mauvaises, mais à la première occasion, il drague d’une manière sérieuse Ann. Paddy Dolan est un vieux flic alcoolique qui donne des leçons de morale à Paul, mais en même temps il va boire un coup au bistrot du coin, délaissant sa surveillance au risque de faire capoter l’affaire et peut-être même de se faire tuer. Paul est attiré par Lona, sans ne rien savoir d’elle, mais en réalité c’est parce qu’elle est belle et très soigné, comme un rêve de papier glacé. Elle sent bon, elle est très fière de mettre du parfum à 100 $ le flacon. Elle s’est détachée de sa condition prolétaire. Elle a franchi la ligne, comme Paul va la franchir aussi. 

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954 

    Paul fait semblant de rencontrer Lona fortuitement 

    Comme très souvent dans le film noir, la critique sociale n’est pas loin, mais Pushover n’aborde pas la question de front, cela vient plutôt par une critique acerbe par la bande de l’ordre social et culturel. Cette discrétion se retrouvera dans Strangers when we meet qui est sans doute le chef d’œuvre de Richard Quine, où à travers une autre façon d’analyser la relation adultérine, il va dénoncer l’hypocrisie d’un ordre social fondé sur le modèle de la famille américaine, avec l’ambition de posséder une belle femme, une belle maison, une belle voiture et des beaux enfants. Dans Pushover, ce sont les policiers à la mine sévère, Paul en est un autre, qui représentent cette rigidité sociale qui range les individus dans des cases et les empêche de vivre pour eux-mêmes. 

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954 

    Paul va prendre la relève 

    Richard Quine est un enfant d’Hollywood. Très tôt il a fait l’acteur, pour la radio été pour la scène, avant de passer au cinéma où, adolesscent, il apparaît comme acteur dans les années trente. C’est seulement aux débuts des années cinquante qu’il va passer à la réalisation. Il a eu une vie sentimentale très tumultueuse, mariée quatre fois, sa première épouse fut victime d’un accident de chasse dans des conditions peu claires et resta handicapée. Il eut aussi de nombreuses liaisons avec les actrices qu’il faisait tourner, notamment Judy Holliday et bien sûr Kim Novak. Personnage dépressif, il se suicidera à l’âge de 68 ans en 1970, officiellement parce qu’il était très malade. Mais à cette époque, il a aussi des difficultés en tant que réalisateur et doit se contenter de tourner des épisodes de la série Columbo. Depuis 1965 ses films n’ont plus beaucoup de succès. Quoi qu’il en soit, et bien que sa carrière se soit dissipée dans des genres très différents, il a un vrai style, une manière très propre et précise de filmer et d’éclairer ses films. Ça se voit dans Pushover qui est son premier vrai succès public et critique en tant que réalisateur. Ce qui étonne d’abord, c’est l’usage de l’écran large qui permet de renouveler sans le dire les codes du film noir. Cela lui permet en effet d’utiliser des panoramiques larges qui donnent beaucoup de relief à l’image. Pour le reste il manie parfaitement cette utilisation des ombres portées qui accentuent les couleurs de la nuit. Par exemple, après le hold-up, on va suivre un homme qui sort d’un bar pour se rendre au cinéma. Cet homme n’a aucune importance pour l’histoire, car ce que nous attendons, c’est la sortie de Lona du cinéma. Mais ce long travelling a permis non seulement de donner du volume à la nuit, mais de saisir les ombres fuyantes dans de belles images. 

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954 

    Ann raconte comment Rick l’a défendue 

    On note que le film de Richard Quine est tourné en 1954. Il utilise largement les possibilités de voyeur des policiers qui espionnent à travers les fenêtres les habitants de l’immeuble d’en face. Il anticipe donc Rear windows d’Hitchcock d’une année. Soit que cela soit dans l’air du temps, soit qu’Hitchcock lui-même – qui ne se gênait pas pour recycler à son profit les bonnes idées des autres – se soit inspiré de ce film. Cette opposition entre les policiers et les habitants qui sont à la merci de leurs regards est une critique plus ou moins directe de la séparation dans le monde moderne. Le hold-up est rondement mené. C’est une des rares scènes de jour. L’ensemble du film, l’histoire de Paul et Lona est toujours plongée dans la nuit. C’est ce qui renforce ce côté un peu mystérieux et rêveur qui fait le prix de Pushover. En s’appuyant sur la belle photo de Lester H. White, un vétéran, Quine va se saisir de toute la grammaire du film noir, par exemple, ces sources de lumières décalées comme des réverbères ou des petites lampes déposées latéralement. Les ombres dissimulant opportunément les caractères et les fautes des uns et des autres. 

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954 

    Paul appelle Lona pour lui dire que tout va mal 

    La réussite du film repose évidemment sur l’interprétation. C’est une très bonne idée d’opposer le très peu glamour et sévère Fred MacMurray à la très belle et sensuelle Kim Novak. C’est comme une autre version de la belle et la bête. Fred MacMurray connu en France surtout pour des niaiseries tournées pour Walt Disney a toujours cherché des rôles plus durs, on peut d’ailleurs le voir dans des petits films noirs très intéressant comme Borderline de William Seiter. Ici il trouve un de ses meilleurs rôles, dix ans après Double indemnity. Kim Novak n’est pas encore très à l’aise devant la caméra. C’est son premier film. Elle est pourtant éclatante de sensualité maladive. Filmée amoureusement par Richard Quine, elle arrive à dégager beaucoup d’émotion quand elle constate la mort de Paul. Le choix des seconds rôles est également excellent. D’abord le très raide et insipide Phil Carey en flic un peu borné qui applique bêtement la routine. Dorothy Malone dont le talent n’est plus à souligner, dans le rôle d’Ann Stewart est remarquable de justesse. Peut-être le plus étonnant est E.G. Marshall dans le rôle du lieutenant Erickson, il marque de son autorité le film, et cela malgré sa petite taille surtout si on le compare à Carey et MacMurray qui sont très grands.  

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954 

    Paul tente de s’approcher de la voiture de Wheeler 

    Pushover est donc un très bon film qui par certains côtés renouvelle le film noir sans en renier les codes. Le film noir des années cinquante met souvent en scène des policiers corrompus. Bien reçu par le public, la critique a mis un peu de temps pour en découvrir toute la richesse. Si on regarde d’un peu plus près, il semble bien que Richard Quine soit un des rares disciples de Billy Wilder, non seulement dans sa manière d’aborder le film noir, mais aussi dans sa manière de filmer les comédies en utilisant par exemple Jack Lemmon ou… Kim Novak. Ce serait une sorte de Billy Wilder qui aimerait enfin ses personnages malgré leurs défauts ! Richard Quine avait tourné la même année, l’excellent Drive a crooked way, avec le non moins excellent Mickey Rooney dont le physique à l’opposé de celui de Fred MacMurray lui avait pourtant permis d’aborder des rôles intéressant dans le film noir[2]. Il semble très dommage qu’il n’ait pas persisté dans ce genre. En tous les cas on peut toujours revisiter sa filmographie dans laquelle on trouve quelques chefs-d’œuvre, dont ce Pushover. 

    Du plomb pour l’inspecteur, Pushover, Richard Quine, 1954

     Paul s’est fait flinguer



    [1] http://alexandreclement.eklablog.com/midi-gare-centrale-union-station-rudolph-mate-1950-a114844756

    [2] http://alexandreclement.eklablog.com/le-destin-est-au-tournant-drive-a-crooked-road-richard-quine-1954-a114844730 

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  •   Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard.

    C’est un film très rare, très difficile à voir. J’ai mis des années avant d’y mettre la main dessus. Les menteurs, c’est d’abord l’adaptation d’un roman de Frédéric Dard, Cette mort dont tu parlais. Ce roman paru en 1957 s’inscrit au début de la longue série des romans noirs que Frédéric Dard signa de son nom au Fleuve noir. Il y en a trente deux publiés dans la collection « spécial police », et à cette époque les « Frédéric Dard » se vendent mieux que les « San-Antonio ». Ça va changer au début des années soixante quand San-Antonio prendra l’ascendant sur Frédéric Dard, mais en attendant, Frédéric Dard tire des revenus de la vente de ses histoires au cinéma et aussi de son travail d’adaptateur. Précisons que Cette mort dont tu parlais est excellent sur tous les plans, parfaitement maitrisé dans sa mécanique, il est sobrement et superbement écrit. Ici Frédéric Dard est adaptateur avec Edmond T. Gréville, qui travaille sous le nom de Max Montagut. Il est assez difficile de comprendre qui a fait quoi dans le scénario, bien que selon moi Frédéric Dard est resté un peu en retrait, je dirais pourquoi un peu plus loin. Edmond T. Gréville portera aussi, deux ans plus tard, un autre très bon roman de Frédéric Dard L’accident, avec des résultats cinématographiques plutôt mitigés[1]. Gréville semblait tout indiqué pour porter Frédéric Dard à l’écran, il est suffisamment noir et cynique pour cela, même s’il n’a pas tout à fait le talent d’un Clouzot par exemple. La prose de Frédéric Dard est suffisamment limpide pour inspirer des réalisateurs tranchants et précis. Ce qu’il a rarement trouvé hélas. 

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Norma est une comédienne ratée qui vit avec Dominique, une sorte de parasite qui feint d’être un photographe de talent en mal de reconnaissance. Ils sont tous les deux au bout du rouleau, sans avenir, à la recherche d’une combine pour survivre. Paul, un homme mûr, vient de rentrer d’Afrique où il a fait fortune. Devenu rentier mais d’un tempérament maladif, il aspire à une vie tranquille, au calme. Grâce à son ami Blanchin, il trouve une maison qui lui plait loin de Paris et l’emménage, mais il se sent bien seul, et il décide de se trouver une épouse. Pour cela il va utiliser les petites annonces. Dominique tombe dessus par hasard et va encourager Norma à se rapprocher de Paul – c’est une forme de maquereautage si on veut. Pour cela elle va utiliser les artifices de son métier, elle se teint les cheveux en gris, porte des lunettes, se vieillit. Paul va être séduit par l’austérité et le maintien de Norma. Il l’épouse rapidement et l’installe dans sa grande maison. Il semble très heureux de cet enfermement. Mais peu après Norma fait venir Dominique qu’elle présente comme son fils, auprès d’elle, prétendant qu’il s’est cassé la jambe. Cependant, Paul va percevoir des choses bizarres, d’abord les relations entre Dominique et Norma ne sont pas très claires, celle-ci a des fausses lunettes, et puis un jour il va se décider à espionner celle qui est devenue sa femme. Et puis Clément, le garagiste qui habite juste en face de la maison, a trouvé une coupure de presse qui semble révéler que Norma est bien plus jeune qu’elle ne le dit. Grâce à un magnétophone, Paul va comprendre que ces deux-là cherchent à le tuer. Dominique tentera d’abord de faire tomber son rasoir électrique dans la baignoire de Paul pour l’électrocuter, puis Paul surprendra Norma et Dominique en train de discuter de la manière dont ils peuvent l’empoisonner. Car Paul est malade et a besoin d’un remède au quotidien. Il va donc retourner l’arme contre eux : il fait semblant de partir en voyage pour les piéger. Il va arriver à ses fins. Après les avoir démasqués, il les enferme dans leur chambre, mais Dominique sort par la fenêtre et va saboter la voiture de Paul en dévissant la direction. Clément, le voisin garagiste de Paul a tout vu et le prévient. Paul décide de virer Dominique, mais accidentellement celui-ci est tué. Paul repartira en Afrique, laissant Norma toute seule, sans rien lui promettre.

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard.

    Dominique a fait semblant de se suicider 

    Si je ne m’attache qu’au déroulé de l’intrigue, le livre est bien plus cohérent et passionnant que le film. En effet le scénario a changé deux éléments majeurs, d’abord le fait que la sourde lutte entre Norma et Dominique d’un côté, et Paul de l’autre, se double dans le roman d’une autre histoire d’assassinat. L’ancien propriétaire de la maison que Paul achète, a probablement tué sa femme. Cette deuxième histoire renforce en fait la première, comme si les lieux renfermaient une logique criminelle fatale à l’insu de ses occupants. Le second point c’est que le film commence avec un long descriptif de la vie misérable du couple Dominique-Norma. Tandis que l’ouvrage commence par l’arrivée de Paul puis continue par la recherche d’une épouse, ce qui du point de vue du suspense est meilleur puisqu’on ne comprend que Norma et Dominique sont amants qu’en même temps que Paul, vers le milieu du roman. C’est d’ailleurs pour cette raison que Frédéric Dard emploie la première personne du singulier pour raconter cette sinistre histoire. Un autre changement important est bien sûr Blanchin, ici il est l’ami qui épaule le vieux célibataire de retour d’Afrique, dans le roman c’est tout simplement une crapule qui a tué sa femme et sur laquelle Paul exercera un chantage amoral pour éliminer Dominique. Il y a d’autres changements mineurs. Dans le livre Paul a 36 ans, l’âge de Frédéric Dard quand il écrit cette sombre histoire. Il se sent vieux, mais il ne l’est pas. Tandis que dans le film, Paul parait très vieux et usé, incarné par Jean Servais, il fait la soixantaine – alors que dans la réalité il n’avait même pas cinquante ans. Ensuite Dominique est dans le film un photographe, tandis que dans l’ouvrage c’est un peintre raté. Le peintre raté est une figure importante dans les romans noirs de Frédéric Dard, on le retrouve aussi dans Rendez-vous chez un lâche. On sait que Frédéric Dard aimait beaucoup la peinture et les peintres qu’il représente toujours comme des transgressifs, victimes de leurs propres difficultés de créateur. Mais il y a aussi le fait que le roman est beaucoup plus violent que le film, il se termine en effet par un affrontement à mort entre Norma – dans le livre Mina – et Paul. Mina se révèlera être une femme d’une force exceptionnelle, loin de la Norma qui reste un peu fleur bleue tout de même. Tout cela me fait dire que le scénario a été plutôt tiré par Edmond T. Gréville. Il se peut aussi que la production ait eu peur de suivre Frédéric Dard dans cette exposition d’une haine maladive entre un homme et une femme. Les dialogues du roman sont en effet d’une très grande violence. Et puis cela permet d’équilibrer les rapports entre la victime désignée qui devient le chasseur, et les chasseurs qui deviennent les victimes. 

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Blanchin a trouvé une belle maison pour Paul

    En fait en modifiant l’histoire dans le sens qu’on vient de dire, on en change la signification profonde. Cette mort dont tu parlais est l’histoire d’un homme malade se sa solitude, un rêveur qui va inventer n’importe quoi, y compris une histoire d’amour fou, pour combler le vide de son existence. Le couple infernal qui veut la peau de Paul pour s’approprier sa fortune devient une simple paire d’escroc. Norma-Mina est complètement cynique et bien moins passive qu’elle ne l’est dans le film. Avec ces transformations, l’adaptation devient une banale histoire de trio, une lutte à morte entre deux mâles pour la conquête de l’amour d’une femme. Deux éléments importants ont été conservés, d’abord l’idée du retournement de Paul, qui de gibier, va devenir chasseur. Et bien sûr l’astuce du grimage de Norma. On reconnait là le principe de cette femme qui dissimule sa véritable identité comme dans D’entre les morts de Boileau et Narcejac – les mentors de Frédéric Dard – ouvrage qui donna le film d’Hitchcock, Vertigo[2], et dont il s’est manifestement inspiré pour construire ce couple où l’homme veut s’approprier et transformer une femme qui se refuse toujours à lui. Le thème secondaire qui n’est pas assez exploité à mon avis dans le film et qui est récurrent dans les romans noirs de Frédéric Dard, c’est que malgré tout ce qui les oppose, Paul va aimer maladivement Norma-Mina, jusqu’à la détruire et jusqu’à se détruire lui-même. En entourant Paul d’amis et d’alliés fidèles, la solitude de ce dernier est complètement atténuée et n’explique plus suffisamment la folie de cet homme pour cette femme qui se moque de lui. Gréville reprendra aussi l’utilisation du magnétophone pour avoir la preuve de la déconfiture de Paul, sans doute cet usage de la technologie pouvait paraître très moderne et étonnant au début des années soixante. Notons un point très important du point de vue de la carrière de Frédéric Dard, le portrait de Paul lui a sûrement été inspiré par Marcel G. Prêtre pour qui il a écrit quantité d’ouvrages dont Calibre 475 express[3] qui fut un très bon succès de librairie et qui se passe dans l’Oubangui Chari, devenu depuis l’indépendance la République Centrafricaine, pays où Paul est censé avoir fait fortune.

     Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Paul est séduit par le caractère austère de Norma 

    Tout cela nous montre que pour adapter Frédéric Dard, ce n’est pas facile, sans doute beaucoup moins que Simenon. Les rebondissements sont très nombreux. Il faut une grande rigueur dans l’écriture du scénario, et je crois bien que c’est pour cela que les adaptations de ses romans noirs sont aussi abondantes que décevantes. Des franches réussites on n’en compte guère, Le monte-charge, Toi le venin, Les salauds vont en enfer, Le dos au mur, et je crois bien que c’est tout. Vu la richesse et la diversité de ses romans noirs, ce n’est pas beaucoup. Même avec Gréville, la matière vénéneuse n’est pas suffisamment mise en valeur. C’est donc ici que Gréville échoue. Son rythme n’est pas bon. En refusant le huis clos, l’enfermement du couple, il fait dériver le récit. Or ce qui est important c’est bien cet enfermement revendiqué que vient troubler le pseudo-fils de Norma. La séquence qui voit rappliquer les copains de Dominique pour faire la bringue n’est pas à sa place, elle rompt le rythme initial, et emmène le film vers un portrait de la jeunesse perverse – ce qu’on retrouvera dans La menace de Gérard Oury par exemple[4]. C’était aussi une des obsessions de Frédéric Dard au début des années soixante, notamment dans Les mariolles, le roman qui a servi de point de départ à La menace et aussi du Cahier d’absence. Mais il aurait fallu faire des choix, et même si l’opposition entre le jeune Dominique et sa bande d’un côté et Paul de l’autre passe évidemment par des signes distinctifs dans les comportements, ici cela parait un peu surajouté. On retrouve une autre marotte de Frédéric Dard, enfermer la femme qu’il aime à clé[5].  En vérité le roman aurait dû être adapté tel quel, il est déjà conçu pour le cinéma, même s’il présente principalement le point de vue de Paul. Certes il aurait été probablement plus long et plus coûteux parce qu’il aurait fallu filmer Paul en train d’enquêter à Rouen et à Cannes, et aussi mettre en scène la confrontation avec Blanchin, l’homme qui dans le roman a tué sa femme et qui vit à Marseille. Mais tout cela aurait ajouté au côté machiavélique de Paul – « machiavélique » c’est le mot que Norma-Mina emploie lorsqu’elle se rend compte qu’elle et Dominique ont été roulés dans la farine. 

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Le trio commence un semblant de vie familiale 

    Mais, malgré toute cette déception, cette trahison de Frédéric Dard par lui-même, il y a tout de même une atmosphère comme on dit. Cela est dû à la patte de Gréville et aussi à la photo d’Armand Thirard. Il y a de très belles séquences, dès qu’il s’agit de trouver des angles qui font ressortir l’aspect glauque des relations entre les deux nouveaux époux. Une belle profondeur de champ dans les scènes d’enfermement de la maison quand il surveille le couloir. Les scènes d’extérieur sont bien moins réussies, ce qui peut venir de la faiblesse du budget. Gréville filme la jeunesse de Saint-Germain des Près comme quelqu’un qui se trouve dépassé par ses ambitions et sa vitalité. Il la filme un peu comme un vieux. Les séquences sombres sont les mieux réussies, notamment la nuit d’orage, avec des éclairages qui mettent à bas les artifices et qui finissent par révéler la vraie nature de Norma. La musique d’André Hossein soutient parfaitement cette tension qui ne fait que monter au fur et à mesure que le temps passe. Le compositeur utilise des thèmes jazzy, soutenu par le vibraphone, cet étrange instrument qui mêle de façon mélancolique percussion et mélodie.

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Blanchin révèle la supercherie, Dominique n’a pas de jambe cassée 

    L’interprétation est très juste. Dawn Addams que Gréville avait déjà dirigée dans L'île du bout du monde, est très crédible en Norma quand elle se transforme en vieille femme. Elle arrive à endosser deux personnalités différentes d’une manière touchante. On passe même sur son côté british, Gréville aurait dû cependant insister un peu plus sur la dureté du personnage, l’actrice avait les moyens de le supporter. Jean Servais n’est pas mal aussi dans le rôle du vieux beau qui a fait fortune et qui croit pouvoir tout acheter, même si par rapport au roman il est beaucoup plus âgé. Sans doute d’avoir pris un acteur vieillissant avec un aspect maladif ajoute une touche de mélancolie qui est plutôt bienvenue. Cela lui donne une fragilité par rapport à Norma, et on comprend bien tous les efforts qu’il doit faire pour voir enfin la réalité en face et que cela lui donne un peu de force pour se battre. Claude Brasseur dans le rôle de Dominique est le moins crédible de ce trio infernal. Il en fait un peu trop, on aurait aimé quelqu’un d’un peu plus sobre. Francis Blanche joue Blanchin, avec justesse et perspicacité. On note encore la présence de Roland Lesaffre, très bien en garagiste suspicieux, Gréville retrouvera cet acteur fétiche de Marcel Carné un peu plus tard dans L’accident. On reconnaîtra aussi dans une petite silhouette, Claude Chabrol en réceptionniste.

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    En voulant aider Paul, Blanchin va découvrir que Dominique et Norma veulent l’assassiner 

    Le film a bénéficié d’une critique très positive à sa sortie, notamment celle de Gérard Legrand dans Positif[6]. Mais à Positif ils aimaient bien Gréville, sans trop se poser de question, Tavernier aussi était de ceux-là. Il n’est pas certain que le public ait massivement suivi. Sans doute aurais-je eu un avis beaucoup plus positif si je n’avais en tête le roman de Frédéric Dard qui est sans doute un chef d’œuvre à l’égal des plus grands romans noirs américains. Il est extrêmement regrettable que ce film ne soit pas disponible aujourd’hui. En tous les cas il prouve que le film noir à la française existait bien, contrairement à ce qu’avançaient imprudemment Borde et Chaumeton[7], et que Frédéric Dard en a été sans doute son meilleur fournisseur d’hsitoires. C’est dommage que Gréville ait partiellement raté cette adaptation, car il n’est plus aujourd’hui possible d’utiliser les ressorts du cinéma pour mettre en scène cette excellente histoire.

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Paul n’est pas loin, il guette maintenant Norma et Dominique 

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Paul a mis Dominique et Norma sous clé 

    Les menteurs, Edmond T. Gréville, 1961 – d’après Frédéric Dard. 

    Paul apprend à Norma qu’il va retourner en Afrique



    [1] http://alexandreclement.eklablog.com/l-accident-edmond-t-greville-1963-a128232262 

    [2] http://alexandreclement.eklablog.com/sueurs-froides-vertigo-alfred-hitchcock-1958-a114844812 

    [3] Editions du château, 1954.

    [4] http://alexandreclement.eklablog.com/la-menace-gerard-oury-1960-a114844968 

    [5] Il se comportait comme ça dans la vie. C’est ce qu’il raconte dans Je le jure, Stock, 1975. Il collectionnait les clés et les pièces de monnaie. 

    [6] On trouvera cette critique sur le site Tout Dard grâce à l’infatigable et précieux Lionel Guerdoux. A cette époque je ne lisais pas Positif. http://www.toutdard.fr/book/positif-n43/

    [7] Raymond Borde et Etienne Chaumeton, Panorama du film noir américain, 1941-1953, Editions de Minuit, 1955.

     

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  • La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981 

    Ce film a une importance historique dans le développement du genre néo-noir. Certes ce n’était pas la première fois que les cinéastes américains tentaient de faire renaître le film noir de ses cendres. Et d’un certain point de vue, on peut dire que malgré ses transformations, il n’avait jamais cessé d’exister. Cependant, des films comme Farewell my lovely de Dick Richards en 1975, et The big sleep de Michael Winner en 1978 qui reprenaient des classiques chandleriens des années quarante – respectivement Murder my sweet et The big sleep – avaient été des échecs artistiques et publics retentissants. Ce n’est pas le cas avec Body heat qui sera très bien accueilli par le public et la critique. La raison est que cette fois le réalisateur va assumer les codes cinématographiques anciens, au prix de quelques aménagements secondaires pour rendre l’histoire plus contemporaine, mais aussi en utilisant la couleur. L’inspiration de Laurence Kasdan qui a écrit aussi le scénario, se trouve directement dans Double indemnity de Billy Wilder, pas seulement dans la thématique, mais surtout dans une remise au goût du jour des codes visuels utilisés dans les années quarante. 

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981 

    Ned croise Matty dans la chaleur de l’été 

    Ned Racine est un avocat médiocre qui végète dans la moiteur de l’été en Floride. Il va rencontrer Matty Walker, une femme qui en apparence est assez difficile d’accès. Mais peu à peu il va la séduire, et tous les deux vont avoir des relations sexuelles torrides. Matty vit dans le luxe, le problème est qu’elle a un mari. Certes celui-ci est souvent absent, impliqué dans des affaires qu’on suppose à la limite de l’illégalité. De fil en aiguille, il va venir à l’idée des amants qu’il serait excellent pour tous les deux de s’en débarrasser. Ned va par l’intermédiaire d’un petit délinquant se procurer une sorte de bombe. Après avoir tué Edmund Walker, il transporte le corps dans un immeuble abandonné, et il fait sauter l’ensemble. Il s’est procuré un alibi, le but est de faire croire que ce sont les louches relations d’Edmund qui sont à l’origine de ce crime. Tout irait bien jusque-là si l’avidité de Matty ne l’avait pas poussée à modifier le testament de façon à ce qu’elle hérite de tout, alors que le premier document partageait l’héritage entre elle et sa belle-sœur. Dès lors la police va commencer à s’intéresser à cette histoire. Bientôt Ned va comprendre qu’il est piégé, en effet les lunettes d’Edmund sur lesquelles il y a les empreintes de Ned ont disparu. De fil en aiguille Ned va comprendre que c’est Matty qui tire les ficelles et qui va l’envoyer en prison. Leur dernière confrontation a lieu devant le garage à bateaux que Matty a piégé. En la forçant à ouvrir la porte, Ned provoque l’explosion. Mais la police l’a suivi. Il est arrêté. En prison il commence à comprendre comment Matty a procédé, notamment en se mariant sous un faux nom. Il va cependant découvrir son vrai nom tandis que Matty coule des jours tranquilles sous les tropiques.  

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981

    Matty apparait très incertaine 

    Ned est d’abord un homme faible qui se laisse mener par le bout de la queue par une femme déterminée. Ned et Matty sont des gens totalement cyniques et sans scrupules, sauf que Ned est un peu plus naïf. Il met un temps très long pour se rendre compte de qui est Matty. Et cela malgré les mises en gardes répétées de ses amis. L’ambiguïté du personnage provient essentiellement de cela : obsédé par le sexe, il refuse de voir ce qui est pourtant évident. Matty est une manipulatrice très sophistiquée et sans principes moraux. Cette relation destructrice autour d’une passion sexuelle correspond aussi à une critique d’une relation physique exclusive de tout sentiment. C’est bien cet absence de romantisme qui sépare les deux amants et va les monter l’un contre l’autre. Quand ils en arrivent au meurtre, ils sont sexuellement usés. Ayant physiquement trop donné, ils feront la remarque amère qu’ils ne peuvent plus continuer. Le meurtre d’Edmund, mais aussi l’appât du gain relance pour un moment la machine, mais c’est peine perdue. Au-delà de l’amoralisme des deux criminels, il y a une critique féroce de ceux qui misent tout sur le sexe sans se préoccuper du reste. Certes le mari ne vaut pas grand-chose, mais ils ne valent pas mieux que lui. L’autre point est que Matty se révèle d’une intelligence redoutable, elle a tout anticipé au point même de faire croire à Ned que c’est lui qui a pris la décision de tuer Edmund. « C’est un cerveau » dira le policier Oscar Grace d’une manière ironique.  

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981

    Ned observe Matty 

    C’est donc le thème d’un homme ordinaire qui s’ennuie dans sa petite vie bien rangée et médiocre. La femme prédatrice n’est au fond que la révélation de cette situation. D’ailleurs le personnage de Matty qui tend vers le type de la « veuve noire » n’est pas très fouillé, c’est à peine si on saura qu’elle a eu une enfance qui l’a déterminée à devenir ce qu’elle est. Ned par contre est un compliqué qui accepte de se perdre, comme s’il voulait voir derrière le miroir ce qui s’y cache. Il aura cependant la satisfaction d’avoir le dernier mot en découvrant la véritable identité de Matty. Ce n’est plus tellement de la fatalité, c’est de la provocation, un défi. On est ainsi assez loin du trio adultérin ordinaire.  

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981

    Les relations entre Ned et Matty deviennent torrides

    Le parti pris de la mise en scène est d’abord de faire ressortir le rapport qu’il peut y avoir entre la vague de chaleur qui submerge la Floride et l’idée criminelle. C’est encore le policier Oscar Grace, un vieux de la vieille, qui fera cette remarque : la vague de chaleur entraîne le crime. C’est ce qui se passe pour Ned et Matty, mais cela passe d’abord par des relations sexuelles très torrides. Les corps sont suants et les scènes de lit très explicites. De la chaleur on s’en protège comme on peut, et notamment en abaissant les stores vénitiens. Cela permet de filtrer la lumière et renforcer l’idée de l’entre-soi qui en renvoyant les amants en face l’un de l’autre, les empêchent de prendre conscience de leur propre monstruosité. Ce sont des psychopathes qui ont rompus le sien social. Le film va donc être centré sur leurs tête-à-tête. Si d’abord ils semblent manifester une bonne entente, bientôt ils vont se livrer à un combat à mort entre eux. Peu de choses en font encore des êtres sociaux. Un dîner à trois avec le mari, ou alors les relations professionnelles que Ned entretient avec le personnel de l’institution judiciaire et petit voyou. Une grande partie du film se passe de nuit, avec des extérieurs filmés avec de longs travellings pour en faire ressortir le caractère étouffant. Cela permettra de faire par deux fois ressortir le feu, deux fois ce feu est d’origine criminelle et agit comme un parallèle avec les corps brûlants et fiévreux. La luxueuse maison des Walker est filmée comme était filmée la maison des Dietrichson dans Double indemnity. Sauf qu’à côté de l’aspect massif qui est aussi retenu, Kasdan va rajouter l’idée d’enfermement. Ned sera obligé d’enfoncer une porte pour baiser Matty ! C’est le premier pas à franchir qui fait qu’un homme ordinaire va devenir un criminel retors. D’autres codes du film noir seront aussi utilisés, comme par exemple l’usage d’une source lumineuse décalée qui laisse dans l’ombre ce qui est principal.  

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981

    Ned et Matty ont planifié la mort d’Edmund Walker 

    La réussite d’un tel film repose d’abord sur la crédibilité du couple. L’histoire n’étant pas très crédible – notamment cette histoire de changement de testament – il faut que les personnages le soient. Les deux acteurs principaux, sont très bons. Ned est interprété par William Hurt qui trouve là sans doute son meilleur rôle. Il lui faut en effet naviguer entre la naïveté quand il est en face de Matty, et la malice quand il doit faire face à la justice ou quand il doit imaginer un crime parfait. Homme considéré comme médiocre, le sexe lui permet de se dépasser sur le plan de l’intelligence. C’est une très bonne idée de l’avoir affublé d’une petite moustache qui en dit plus long que les discours sur son étroitesse d’esprit. Kathleen Turner trouve ici son premier rôle important. Dans les années 80, elle en aura bien d’autres, chez Coppola ou chez John Huston, avant de disparaître peu à peu du devant de la scène sans doute pour des problèmes de santé. Elle possède cette énergie qui la désigne effectivement comme une prédatrice. Sans être belle, elle a un visage un peu chevalin, elle est effectivement très sensuelle. Elle est excellente. Richard Crenna incarne Edmund, le mari qui se croit très malin à cause de ses amitiés chez les gangsters. Son apparition est très brève. On remarquera au passage la présence de Mickey Rourke dans le rôle d’un petit délinquant qui pose des bombes. 

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981 

    Matty affirme à Ned que malgré les apparences elle l’aime toujours 

    Le film connut donc à juste titre un franc succès commercial et obtint de très bonnes critiques. D’un certain point de vue il libéra le désir de revenir au film noir par d’autres moyens. Il régénéra d’une manière peut être inconsciente le thème de la veuve noire. En 1987, Bob Rafelson tournera Black widow qui reprendra cette figure, et même jusqu’à la scène finale sous les tropiques[1]

    La fièvre au corps, Body heat, Laurence Kasdan, 1981 

    Matty a déclenché la bombe à l’ouverture de la porte



    [1] http://alexandreclement.eklablog.com/la-veuve-noire-black-widow-bob-rafelson-1987-a130239404 

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