Tout en s’inspirant du roman de Marie Belloc Lowndes, Fregonese va arriver à un résultat très différent des versions précédentes. Cette fois c’est Mr Slade qui est le centre de toutes les attentions, et l’histoire de la jalousie entre le locataire et le policier qui enquête sur les meurtres ignobles de Jack the ripper est à peine suggérée. Cette version est tournée en 1953. C’est-à-dire à une date où le cycle classique du film noir est en train de s’essouffler. 

Mr Slade est amoureux de la chanteuse Lilly 

Alors que les meurtres paniquent complètement le quartier de Whitechapel, l’étrange Mr Slade vient louer une chambre et un grenier (attic en anglais) pour, dit-il faire, des expériences scientifiques. Malgré la méfiance de Mrs Harley, il va s’installer. Peu après il va faire la connaissance de la belle Lilly, meneuse de revue, et femme déterminée et libre. Il tombe sous son charme. Celle-ci est la nièce des époux Harley. Mais petit à petit les soupçons de plus en plus nombreux pèsent sur Slade qui sort souvent la nuit pour faire des expériences. D’autant que Lilly le surprend un soir en train de brûler son manteau. Warwick un policier autant obstiné qu’ambitieux commence à enquêter sur Slade, mais il découvre que celui-ci est bien un membre éminent de l’université et est très dévoué à la recherche. Warwick fouille la chambre de Slade pour récupérer des objets sur lesquels celui-ci aurait laissé des empreintes. Lilly se fâche avec lui pour cette intrusion de mauvais goût. Warwick est d’autant plus amer que l’examen des empreintes ne donnent strictement rien. L’affaire va pourtant se dénouer d’une manière inattendue. Slade ne supporte pas que Lilly dont il est très amoureux se produise dans des tenues légères qui excitent les hommes. Pris d’un accès de colère, il veut lui trancher la gorge, mais il y renonce parce qu’il l’aime. Il s’enfuit, on comprend qu’il était bien Jack the ripper, la police le poursuit, mais elle ne le rattrapera pas. Il disparaîtra à jamais dans les eaux troubles de la Tamise. 

Slade visite le musée noir de Scotland Yard 

Le scénario est de Barré Lyndon, le même qui avait écrit celui de The lodger pour John Brahm en 1944, les deux films seront très proches dans leur principe. Barré Lyndon est un anglais, et naturellement il va mettre en avant le côté brumeux de Whitechapel et des bords de la Tamise. Et donc Man in the attic sera plus un remake du film de Brahm que ce celui d’Hitchcock, plus proche du roman de Marie Belloc Lowndes. Hugo Fregonese est un réalisateur argentin qui a fait une petite carrière à Hollywood. Il a tourné des westerns, avec Gary Cooper ou Robert Taylor, des films noirs, dont le très bon Seven tunders, film sur la résistance qui se passe à Marseille. Les cinéphiles, engeance assez mal définie cependant, ont surtout retenu Apache drums, western baroque. Il finira sa carrière en tournant des films de genre en Allemagne. Il n’a donc eu que très peu de succès, manifestement il avait du talent, mais sans doute n’a-t-il pas su gérer correctement sa carrière ou bien a-t-il été écarté de projets plus ambitieux. Man in the attic est une commande, la volonté de la 20th Century de refaire un succès avec un film à petit budget, sur un thème à priori passe partout. Par rapport aux deux versions précédentes adaptées de Marie Belloc Lowndes, les changements de point de vue sont très importants. Le suspense porte sur la personnalité de Slade, mais on va rapidement comprendre qu’il est Jack the ripper. Une partie du film passe à nous expliquer pourquoi Slade est devenu un tueur : c’est à cause de sa mère qui était une trainée et qui l’a abandonné, son père sombrant dans l’alcool. Slade va donc avoir des pulsions, des excitations qu’il n’arrive pas à contrôler. On remarque d’ailleurs que plus il se rapproche sentimentalement de Lilly et moins il n’a de contrôle sur lui-même. 

Les journaux qui relatent les meurtres de l’éventreur s’arrachent 

L’autre point de vue est de s’intéresser à Lilly, femme de caractère, libérée, assumant son métier qui est tout de même de jouer sur la séduction en montrant plus ou moins ses avantages, ce qui peut paraître osé dans la société victorienne. Bien qu’elle semble attirée par Slade qui lui apparaît comme un homme spécial, elle joue tout de même avec Warwick, le policier très antipathique, jaloux de Slade qui veut à tout prix coincer ce dernier. A croire qu’elle veut se jeter dans la gueule du loup. Le propos du film est relativement limité, et ce qui va compter, c’est plutôt la mise en scène. Celle-ci est assez soignée. Certes on voit bien que c’est du studio, mais les angles de prise de vue, les travellings, les mouvements de caméra donnent un côté très propre à l’image. Le film louche plus du côté fantastique que du côté film noir. L’impuissance de la police, ou encore le rôle de la presse est à peine suggérée. Des scènes entières ont été piquées au film de John Brahm, comme celle où les policiers à cheval cernent l’immeuble où un meurtre a été commis. 

La police cerne le quartier où un nouveau meurtre a été commis 

L’interprétation est dominée naturellement par Jack Palance qui trouve ici son premier grand premier rôle. Son physique très particulier le prédestine à des rôles effrayants. Mais c’est un très bon acteur. On peut s’en rendre compte encore ici. Il joue de sa haute taille et de son visage taillé à la serpe, mais il manifeste aussi très bien des sentiments partagés entre ses pulsions de mort et son amour pour Lilly. Il sait aussi être ironique quand il affronte son rivale l’inspecteur Warwick. Constance Smith, actrice irlandaise peu connue, est Lilly. Elle apporte pas mal d’énergie au rôle. Elle n’a jamais obtenu quant à elle des rôles très importants, elle a tourné surtout en Angleterre, faisant vers la fin de sa carrière quelques incursions dans en Italie dans le film de genre. Les deux acteurs qui interprètent les logeurs sont pas mal aussi. Notez que dans ce film Daisy est devenue la bonne, un peu craintive, un peu idiote. Warwick est joué par l’insipide Byron Palmer qui est un parfait inconnu d’abord parce qu’il fut surtout un acteur pour la télévision.

Slade brûle son manteau 

L’ensemble laisse un sentiment mitigé. Si la mise en scène est efficace et Jack Palance très intéressant, le film manque d’un propos clairement affirmé. Hésitant en permanence entre l’esthétique du film noir et celle du film fantastique. Il ne parvient pas à convaincre. On peut le voir sans ennui, mais une fois que le visionnage est achevé, il n’en reste pas grand-chose. La belle photo de Leo Tover qui a tourné avec les plus grands, Jean Renoir, Raoul Walsh, etc., ne suffit pas pour sauver l’ensemble de la grisaille. 

Slade ne supporte pas que d’autres hommes admirent Lilly

L’histoire de Jack l’étrangleur, tueur en série qui défraya la chronique à la fin du XIXème siècle, a été portée à l’écran un nombre incalculable de fois. Dans le quartier de Whitechapel de nombreux meurtres de prostituées, ou autre, sont commis. Le tueur éviscère ses victimes mais aussi présente la particularité d’envoyer des messages à la presse et à la police pour se faire de la publicité. L’identité de ce meurtrier n’a jamais été connue, et en outre, on ne sait pas combien de meurtres ont été commis par le même homme, il semblerait que seulement cinq de ces meurtres soient de la même personne, ils auraient eu lieu entre le mois d’aout et le mois de novembre 1888. Cette affaire connut une renommée internationale et a alimenté les soupçons les plus divers. Certains ont même avancé que si on n’avait pas trouvé le meurtrier, cela prouvait qu’on le cachait, ou qu’on ne voulait pas divulguer son nom. Il aurait été un membre de la famille royale, ou un aristocrate. D’autres ont avancé qu’il s’agissait forcément de quelqu’un qui maîtrisait l’art chirurgical, vu la manière dont les corps étaient découpés. Si on remet cette histoire dans son contexte, on voit qu’elle coïncide avec le développement d’une presse de masse, et aussi avec l’émergence d’un roman populaire de type anglais. Jack the ripper est une des pièces maitresses de la littérature populaire anglaise et de la littérature de détection, comme Sherlock Holmes ou Dr Jeckill et Mister Hyde.  

C’est cette histoire jamais résolue qui va être le support d’un roman à succès de Marie Belloc Lowndes, The lodger. Paru en 1913 en Algleterre sous forme de feuilleton, il sera un succès dans le monde entier, mais curieusement il ne sera traduit en français qu’en 1994. Un peu comme si les Français n’avaient pas le goût pour ce type d’histoire. Ce roman va faire l’objet de cinq adaptations cinématographiques :

1. Les cheveux d'or  (The Lodger) d’Alfred Hitchcock (UK, 1926) avec Ivor Novello

2. Meurtres, The Lodger, de Maurice Elvey (UK, 1932) avec à nouveau Ivor Novello

3. Jack l'éventreur (The Lodger) de John Brahm (USA, 1944) avec Laird Cregar

4. L'étrange monsieur Slade (Man in the Attic) de Hugo Fregonese (USA, 1953) avec Jack Palance

5. Jack l'éventreur (The Lodger) de David Ondaatje (USA, 2009) avec Alfred Molina.

Cette dernière version est modernisée, détachée de son contexte victorien, elle n’a aucun intérêt. Trois d’entre elles sont intéressantes a des titres divers : celle d’Hitchcock, celle de John Brahm, un des piliers du film noir de la période classique, et celle de Fregonese. Celle de Maurice Elvey a la particularité d’être un remake sonore du film d’Hitchcock toujours avec le même acteur, Ivor Novello, mais elle est plutôt mauvaise du point de vue cinématographique.

Il y a bien sûr bien d’autres adaptation du thème de Jack l’éventreur, on en compte environ une trentaine, tantôt elles versent dans l’analyse psychologique du criminel, tantôt vers les difficultés de l’enquête proprement dite. Parfois elles innovent en avançant des hypothèses hardies sur l’identité de ce criminel en série. Loulou le chef d’œuvre de Pabst traite aussi de Jack the ripper puisque l’héroïne ira jusqu’à Londres pour se faire poignarder. Cet étrange tueur en série a permis aux théories du complot les plus folles de se développer, par exemple dans Murder by decree, film de Bob Clark qui date de 1979, inspiré d’un ouvrage de Stephen King, Sherlock Holmes et le docteur Watson vont découvrir que les crimes de Jack the ripper cache une machination qui mêle à la fois la famille royale, la franc-maçonnerie et le gouvernement ! Tous les délires sont permis. 

La presse s’est emparée de l’affaire 

En vérité notre sujet n’est pas l’histoire de Jack l’éventreur, ni même Alfred Hitchcock pour lequel, à quelques exceptions près, j’ai assez peu de goût, ni non plus les tueurs en série, mais John Brahm qui a apporté une contribution importante et novatrice au cycle du film noir classique, mais comme il a adapté lui aussi The lodger, nous allons faire un détour par quelques-unes de adaptions de ce roman. En même temps cela nous permettra de comprendre peut-être un peu mieux les racines du film noir dans ce qu’il peut avoir de gothique, et ce qu’il doit à l’image projetée de l’Angleterre à l’époque victorienne. 

Mrs Bunting reçoit un curieux locataire 

Jack the riper sévit à Londres dans le quartier de Whitchapel. Sept jeunes femmes aux boucles blondes ont été assassinées de la même manière, et chaque fois le tueur laisse un triangle dans lequel il signe the avenger. La panique gagne, une fille semble avoir aperçu le tueur, il serait grand et masquerait son visage avec une écharpe. Daisy Bunting qui est plus ou moins fiancée avec le policier Joe Chandler, est en même temps mannequin. Elle vit bien sagement chez ses parents qui louent des chambres dans leur maison. Un soir de brouillard arrive Jonathan Drew qui veut louer une chambre. D’emblée le personnage apparaît comme mystérieux. Mais tandis que Daisy est presqu’officiellement fiancée à Joe le policier chargé de trouver le tueur en série, elle se trouve attiré presqu’inexorablement par Jonathan qui semble avoir beaucoup de choses à cacher. Cette attirance est réciproque, on le voit rapidement au cours d’une partie d’échecs. Ce curieux locataire sort cependant la nuit sans faire de bruit, les Bunting commencent à avoir peur et Joe devient franchement jaloux. Rapidement il soupçonne Jonathan d’être le criminel en série, tandis qu’au contraire la belle Daisy ne peut pas croire une minute à sa culpabilité. Finalement sur de vagues intuitions, Joe fouille la chambre de Jonathan et découvre qu’il cache dans un sac un revolver, mais aussi un plan de la ville où il a répertorié tous les meurtres déjà exécutés. Jonathan explique qu’en réalité il enquête par lui-même parce que sa jeune sœur a été une des premières victimes de Jack the riper, et que la police reste impuissante. Joe ne veut rien savoir. Pris de panique, il s’enfuit, alors qu’il est menotté. Daisy tente de l’aider, mais la foule le poursuit, et il ne doit la vie qu’à Joe, le policier, qui entre temps à compris qu’il s’était trompé puisque le vrai tueur a été arrêté. Cela finira très bien et Daisy, fille modeste de basse extraction, elle se mariera avec Jonathan qui se révélera être un riche héritier.

Daisy est intriguée 

Il est extrêmement difficile de juger un tel film, 90 ans après sa sortie en salles. Nous n’avons plus beaucoup l’habitude du cinéma muet, de ses tics et de ses normes d’expression, même si on sait qu’il y a des films muets d’une toute autre tenue. Si on le commente et si on le revoit encore c’est essentiellement pour une forme de passion archéologique des racines du film noir. Le scénario est assez faiblard. Essentiellement parce qu’il ne sait pas choisir entre une comédie amère sur la tendance adultérine des femmes et le récit policier. Même chose pour ce qui concerne l’ambiance, on pense d’abord que le film se centrera sur le brouillard londonien si propice au crime et au mystère. En vérité peu de scènes ont ce caractère fantastique et l’essentiel de ce film bavard quoique muet se passe en vase clos. Curieusement Jack the riper est absent, il n’est même pas décoratif. Mais peu importe tout cela. Nous sommes en 1927, et plusieurs éléments propres au film noir classique apparaissent ici. D’abord l’importance de la presse et des journaux qui diffusent les nouvelles et qui affolent les populations. Pour Hitchcock c’est une manière de prouver sa modernité que de montrer des rotatives qui tournent très vite, ou des salles de journalistes besogneuses. Le développement d’une culture populaire est manifestement en marche. Si le thème général est le soupçon, tout le monde se méfie de tout le monde, ce film est parfaitement misogyne : non seulement les filles blondes en général sont insouciantes, mais on dirait qu’elles cherchent l’aventure. Daisy n’a aucun scrupule à changer de partenaire en un clin d’œil et elle fait confiance contre toute vraisemblance à Jonathan. C’est seulement une chance qu’elle ait eu raison ! ça n’a rien à voir avec une réflexion sérieuse et une conduite raisonnée. 

Jonathan et Daisy sont séduits l’un par l’autre 

Il y a aussi une forme expressionnisme qu’Hitchcock devait sans doute à ses visites aux studios allemands, du moins c’est ce qu’il dit dans ses entretiens avec Truffaut[1]. Le jeu des ombres est intéressant, notamment l’entrée de Jonathan chez les Bunting, apparaissant dans l’encadrement de la porte       avec son écharpe autour du cou. Ou encore cette manière de filmer les escaliers qui sera reprise ad libitum par tous les metteurs en scène du cycle classique du film noir, et par Hitchcock lui-même dans le bien nommé Suspicion. Evidemment à cette époque la caméra restait très statique et le sens du mouvement ne pouvait apparaître que dans le montage. On ne saurait donc reprocher à Hitchcock ce que les avancées de la technique ne lui permettaient pas. De même les séquences sont parfois bleutées, ou couleur sépia. Cela selon les lieux et les moments. Ce n’est pas du meilleur effet, mais c’était très fréquent et était censé faciliter la compréhension. La scène qui voit s’affronter Jonathan et Daisy lors d’une partie d’échecs aura une très longue postérité, on la retrouvera entre autres dans The Thomas Crown affair de Norman Jewison.

Jonathan ne peut cacher ses sentiments 

Il est aussi très difficile de juger les prestations des acteurs. Le film était fait pour Ivor Novello, grande vedette du cinéma britannique. Bien qu’Anglais, il s’était donné un pseudonyme exotique. Il avait curieusement débuté sa carrière en France dans L’appel du sang. Homosexuel notoire, acteur de théâtre d’abord, il joue ici les jeunes premiers romantiques un peu rêveur.  Il est très expressif, assez peu outrancier pour un acteur du muet. Malkom Keen qui joue le flic Joe est moins intéressant, trop caricatural, et justement quand on compare le jeu des deux acteurs, on se rend compte que tous les acteurs du muet n’étaient pas forcément grimaciers. June joue la belle Daisy. Son vrai nom était June Tripp. Elle est très bien, mais elle abandonna rapidement le cinéma pour se marier avec un baron ! Il semblerait qu’elle ait par la suite mené une vie de bâton de chaise, divorçant, se remariant, etc. Devenant même citoyenne américaine ! C’est dire. J’aime bien aussi le couple Duning incarné par Mary Ault et Arthur Cherney. 

Joe est persuadé que Jonathan est l’assassin 

Hitchcock disait que c’était son premier vrai film. Nous n’y voyons pas grand-chose d’important. Les producteurs trouvaient le film mauvais et demandèrent de le remonter. Ce qui fut fait et finalement le film eut un succès conséquent qui permit d’en refaire un remake parlant en 1932, toujours avec Ivor Novello. Mais celui-ci avait bien vieilli entre temps, et il est bien moins intéressant, l’histoire étant complétée si je peux dire en faisant de l’assassin le frère jumeau du héros.

John Sturges est toujours un réalisateur sous-estimé, et à mon avis sa filmographie est supérieure à bien des auteurs qu’on encense sans trop de raison aujourd’hui, que ce soit Hitchcock dont l’œuvre cinématographique a beaucoup vieilli ou le sinistre Clint Eastwood dont la maîtrise technique est vraiment faiblarde. Je ne suis pas le seul à dire cela, heureusement, aux Etats-Unis il y a une tendance à réhabiliter la filmographie de John Sturges. Il a travaillé au début de sa carrière dans le film noir[1]. Et puis il a rencontré un succès immense avec des westerns d’une grande précision, le plus souvent à travers une utilisation très subtile du cinémascope. Et donc si certains de ses westerns ont des allures de film noir, par exemple Last train from Gun Hill, certains de ses films noirs ont des allures de western[2]. C’est le cas ici. Le résultat de cette hybridation est excellent.  

Le scénario est basé sur une histoire de Michael Niall, de son vrai nom Howard Breslin, celui-ci a écrit deux romans noirs, tous les deux traduits en français, l’un, Un homme est passé, à la série noire, et l’autre Fait comme un rat, aux Presses de la Cité.  

Le train arrive à Black Rock et va s’y arrêter pour la première fois en 4 ans 

John McReedy débarque par le train à Black Rock, une petite ville minière perdue et pauvre qui semble à l’écart de la civilisation. Nous sommes en 1945, la guerre est finie. Il cherche à gagner Adobe Flat. Mais tout le monde semble se mettre en travers de son chemin. L’hôtel lui refuse une chambre, le shérif ne veut pas lui donner de renseignement sur un nommé Komoko. Seul Smith, qui semble régner sur la petite localité, lui indique que Komoko a été interné dans un camp au moment de Pearl Harbor. Obstiné, McReedy va se rendre à Adobe Flat et comprendre que la ferme de Komoko a été incendiée, et que probablement il a été aussi tué et enterré. Smith décide de l’éliminé, c’est d’abord Coley qui va tenter de lui faire avoir un accident de voiture, puis, il va le provoquer mais va recevoir une raclée terrible. Le docteur, puis le shérif vont essayer de se rebeller contre Smith. Celui-ci lui ôte son étoile, et nomme Hector à sa place. Entre temps McReedy va tenter d’envoyer un télégramme à la police, mais comme pour le téléphone, il est coupé du reste du pays. On apprend alors que McReedy était seulement venu à Black Rock pour remettre la médaille de son fils à Komoko, car non seulement celui-ci avait combattu courageusement en Italie, mais il avait aussi sauvé la vie de McReedy.  Pete, l’hôtelier, va basculer, il va tenter de sauver McReedy en demandant à sa sœur Liz de venir le chercher. Mais celle-ci trahit McReedy et le livre à Smith. Une fusillade s’ensuit dans laquelle Liz est tuée, McReedy sort vainqueur de ce duel et capture Smith. 

John McReedy débarque du train 

On a retenu le thème du racisme anti-japonais, et on a vu ce film comme la première réhabilitation des américains d’origine japonaise qui avaient été très maltraités, bannis, déportés. Des dizaines de milliers de nippo-américains avaient été enfermés dans des camps, d’autres avaient été déportés. C’est le FBI du sinistre J. Edgar Hoover qui s’était chargé de cette monstrueuse besogne. Et je ne crois pas me tromper en avançant que ce film est le premier à avoir traité de ce sujet. Cela convient bien à Sturges qui a toujours mis en avant les idées antiracistes, sans les habillées d’un discours militant. On peut élargir cependant le propos au fait qu’après un long silence les démocrates d’Hollywood ostracisés par la Chasse aux Sorcières les listes noires, ceux-ci vont relever la tête. Sturges, Spencer Tracy, Robert Ryan, mais aussi Lee Marvin étaient des démocrates, des libéraux, très hostiles à la chappe de plomb idéologique qui s’était abattu sur l’Amérique. Mais il y a autre chose dans ce film, outre le thème récurrent westernien d’un homme seul contre tous et contre la lâcheté ambiante, c’est la bataille de la civilisation contre l’obscurantisme. Et la civilisation arrive comme souvent chez Sturges par le train ! Je pense qu’il est le réalisateur qui a le plus souvent filmé les trains, et que ceux-ci modifiaient toujours l’état des choses en injectant de la morale en reliant un coin paumé au reste de la société. Il reprendra ce thème dans le magnifique Last train from Gun Hill, mais aussi dans Gunfight at the OK corral, et encore plus tard dans Hour of the gun. C’est le progrès social et économique qui ici affronte l’immobilisme le plus rétrograde qui permet à un potentat local de régner sans partage sur la cité. Il y a également un autre thème qui est abordé, celui de la refondation d’un ordre nouveau et juste après la guerre. L’irruption d’un étranger vêtu de noir se pose comme un cas de conscience pour tous les individus qui ont laissé commettre un meurtre horrible. Et cela d’autant plus qu’il est handicapé, ayant perdu l’usage d’un bras à la guerre. Cet homme apparemment vieux et handicapé, va, par la rigueur morale de son comportement, en remontrer à des hommes solides et brutaux dans la force de l’âge. McReedy se trouve à mi-chemin entre le confesseur et l’ange exterminateur. Remarquez que, comme dans Violent Saturday, la femme qui a trahi, est châtiée et perd la vie. 

La petite ville de Black Rock semble avoir été oubliée par la civilisation 

Sur le plan cinématographique, le film frise la perfection. En effet Sturges arrive à tenir le spectateur en haleine pendant près d’une heure sans qu’il ne se passe quelque chose : il joue sur la peur insidieuse, la menace latente que constitue cette situation où la ville manifeste son hostilité à l’étranger. Remarquez que le film se passe sur une seule journée, il y a donc une unité de temps et de lieu qui donne de la force et du rythme à l’ensemble. L’utilisation des paysages désolés et arides est soutenue par le cinémascope donc Sturges fut un des maîtres dans le maniement. Certes il est secondé parfaitement par William C. Mellor, le directeur de la photographie, mais l’usage du format est tellement semblable à ce que Sturges fera dans ses autres westerns qu’il est impossible de ne pas lui en attribuer la paternité. On remarque l’usage des longues diagonales, les mouvements de grue, et la rapidité des déplacements de la caméra. La démonstration de la maitrise de Sturges est évidente dans la scène assez compliquée dans laquelle McReedy va donner une raclée à Coley. Sturges change de point de vue en permanence, il passe du gros plan au plan général, en passant par le plan américain, sans garder la caméra statique. Egalement les angles de prise de vue ne sont jamais les mêmes. Rien que pour cette scène le film vaut le déplacement. 

Smith tente de savoir ce que McReedy cherche 

L’interprétation est très « haut de gamme ». C’est Spencer Tracy qui domine l’ensemble, présent de bout en bout, il impose son autorité. Malgré sa petite taille, ses cheveux blancs et son âge, il tient la dragée haute à tous les voyous à la solde de Smith. C’est un acteur un peu oublié, mais qui était extrêmement célèbre, un des piliers de la MGM. Sa longue carrière a été jalonnée de succès que ce soit dans le drame, la comédie et même le film d’aventures. Il trouve là un de ses meilleurs rôles. Il devait être très satisfait puisqu’il tournera aussi The old man and the sea sous la direction de Sturges. Il y a ensuite Robert Ryan, pilier du film noir, il est ici encore très bon, mais un peu en retrait tout de même. Plus remarquables sont les deux bad boys, Coley et Hector, interprétés respectivement par Ernest Borgnine et Lee Marvin. Ils étaient déjà présents dans Violent Saturday, tourné la même année[3]. On trouve encore Walter Brennan dans le rôle du vieux docteur moralisateur. Le seul personnage féminin est joué par Anne Francis qui a fait une toute petite carrière et qui ici n’a pas grand-chose à faire, seulement à trahir McReedy et son frère pour finir par se faire descendre bêtement par son amant. 

Smith et sa clique pensent que le mieux est de supprimer McReedy 

Le film a connu un très bon succès, un succès mondial même, la critique l’a encensé, et il est toujours très apprécié pour sa modernité prémonitoire aussi bien que la rigueur de sa mise en scène. C’était bien la grande force de Sturges, de construire des drames populaires auxquels le public était très réceptif et en même temps d’offrir une réflexion profonde sur la société et son histoire. 

Coley tente de provoquer McReedy 

Smith a nommé Hector shérif 

Sturges sur le tournage avec Robert Ryan et Spencer Tracy